EL CINE “INDIE” MÁS VIVO QUE NUNCA

El cine independiente llegó para quedarse y poco a poco irá ofreciéndole más pelea a las super producciones. Es cierto que los presupuestos de marketing y publicidad son menores, pero ya hay construido todo un circuito que se basa en estas películas que pueden, perfectamente y así ha sido ya, lanzar a la fama a un director o un actor o actriz, como Jenniffer Lawrence por ejemplo. 

El indie es cada vez más importante en la industria y ya tiene sus propios códigos, estilos y argumentos. Las películas siguen hablando de los mismos temas, mantienen esa atmósfera íntima y tienen protagonistas con los que es fácil empatizar. Y aunque últimamente los directores recurran a actores de primera línea para llevarlos al cine indie de USA, éste sigue siendo muy característico y poco comparable con el gran Hollywood.

El cine indie se inicia con la tragedia de la gran depresión….había que llevar gente a las salas. Entonces nacieron las sesiones dobles y para llenarlas necesitaban películas realizadas rápido y con poco dinero (llamadas serie B). Eran estas producciones en las que directores como Jacques Tourner o Samule Fuller experimentaban con nuevas técnicas cinematográficas y tramas, antes de que llegara el primer director independiente de Estados Unidos reconocido como tal: John Cassavetes. El director de 'UNA MUJER BAJO LA INFLUENCIA' fue el primero en buscar financiamiento en los lugares más inesperados y el primero en atreverse a rodar temas como las drogas, el sexo, el racismo, la prostitución, la homosexualidad, la decadencia del sueño americano. 

Estos temas se hicieron más universales cuando directores como Martin Scorsese, por ejemplo, reconocieron la influencia de Cassavetes en su cine. Hoy en día el cine indie ya no se distingue tanto por sus temas o por su modo de financiación, ¿quién no financiaría una película de Jason Reitman por ejemplo?

                                                                                                              

¿Qué distingue, entonces, a una película como “independiente”?

Ningún personaje es primordial. La mayoría de las películas independientes tienen un elenco muy poblado, donde los protagonistas y los secundarios se funden para aportar lo mismo a una historia central. Es cierto que sin Juno no habría película, pero tampoco sin Michael Cera o JK Simmons. El mismo caso en 'LITTLE MISS SUNSHINE' ó, 'ZOMBIELAND'.

Buena música independiente. Las películas indies están llenas de viejas canciones de artistas independientes. Si el soundtrack tiene a bandas como Wilco o Arcade Fire, más independiente será... y si no, que se lo digan a Richard Linklater. Además, en el cine indie los actores cantan mal (como Ryan Gosling en 'BLUE VALENTINE' o Bill Murray en 'LOST IN TRANSLATION') y eso las hace aún más puras, más naturales, no se nota el artificio hollywoodense.

Ellos son los feos. Los protagonistas masculinos no suelen tener el prototipo del macho guapetón.

Ellas son raras. Las protagonistas femeninas son muy hermosas pero tienen un tinte raro en su personalidad, en su actuar. Kristen Dunst, Zooey Deschanel o Ellen Page suelen interpretar a personajes muy excéntricos. No hay duda que la cámara indie las favorece más a ellas. 

La locación. Mientras las grandes producciones se ruedan en el centro de la gran ciudad, el cine indie se centra o en barrios marginales, en espacios alternativos, en pueblitos. Los suburbios de Minnesota en 'JUNO' o la Isla de San Juan en 'EL AMIGO DE TU HERMANA' son buenos ejemplos.  

Llegar a Sundance. Es fundamental que la película indie vaya a Sundance, la cuna del cine independiente americano. De allí han salido éxitos mundiales de culto como 'WINTER'S BONE' o 'PRIMER'.

Cada dia más llamativo, cada dia más noticioso, un semillero real. El cine independiente aún se distancia de Hollywood y esperemos que siga así por un buen tiempo.

Leonardo Di Caprio: la institución del cine moderno

En un momento súper complejo para Hollywood, rescatar la figura de este actor es rescatar agua dulce del pantano. Querido por miles y no tanto por otros, Leonardo ha resaltado del resto por su carisma natural, su compromiso con el planeta y la calidad de sus discursos, en donde llama la atención y no queda bien con nadie. Aún soltero y con un halo de misterio que lo envuelve desde que explotó al mundo como Jack Dawson, el cine moderno le ha permitido construir un nombre que brilla por sí solo y traspasa la línea de un intérprete de personajes.

Pero no podemos desmerecer que él ha crecido como actor, frente a dos generaciones, que lo vieron pasar de niño lindo a verdadero ícono del cine, de aquellos de los que se puede hablar por décadas y habrá material de sobra para estar siempre refiriéndonos a él.

Tenía en contra el estereotipo del niño rubio de ojos claros, antecedentes que le podían jugar en contra y encasillarlo en ciertos roles. Pero fue creciendo, aprendiendo, apadrinado por grandes cineastas que supieron resaltar y mostrar al mundo lo mejor de él con distintos guiones y personajes. Es uno de mis actores favoritos por siempre, y en el dia de su cumpleaños n°40 (actualizo: 43) quiero mostrar mi admiración rescatando sus mejores “momentos”.

EL INICIO DEL “NIÑO LINDO”

Quién pensaría que el pre adolescente con discapacidad mental de la película “Quien Ama a Gilbert Grape” se convertiría en uno de los mejores actores de su generación. A los 17 años le llegó la primera nominación al Oscar por esta brillante interpretación, llena de ternura, sin falsedad, sin artificio. El futuro se abría y el cine lo recibía con los brazos abiertos, dispuesto a mejores papeles, más exigentes y audaces, que vendrían a raudales hacia él.

SIMBOLO DE LA HISTORIA DE AMOR

Reconocer que fue “Titanic" la película que lo lanzó al estrellato ha sido complejo para él. No solamente porque el amor no ha sido la historia central en su vida real, ni los medios han podido hacer fiesta de ello, sino porque debe ser una carga ser el protagonista de este film plagado de empalagoso enamoramiento. De hecho, cuando se cumplieron los 20 años, él no acompañó a su amiga Kate Winslet al relanzamiento en 3D, y se negó a participar de cualquier actividad pública conmemorativa de la película. Sin renegar, sabe que lo que vino después ha sido mucho más exigente en lo actoral y, seguramente, lo han marcado más que Jack Dawson, pero hay que reconocer que estuvo en la película precisa y en el momento preciso...porque de ahí en adelante, tuvo la llave que le permitió abrir las puertas de la inmortalidad cinematográfica.

UNA INSTITUCION

Aunque muchos lo nieguen, Leonardo Di Caprio es una institución del cine, aunque sólo tenga 43 años. Su actuación en “Los Infiltrados” lo elevó como el predilecto de Scorsese, con quien ya hace 10 años decidió asociarse para construir una dupla que ha llegado a lo más alto.

PERSONAJE CON GIROS

“Diamante de Sangre” era un proyecto complejo. Rodada en Marruecos y Sudáfrica, conociendo de primera fuente la miseria con la que vive el pueblo y enfrentándose de manera real, y también en el guion, al drama de los diamantes sangrientos. La trama le exigió ser un despiadado,pero en el camino, la vida le ofreció una redención, que sentenció con esa frase a Solomon: “lleva a tu pequeño a casa….”

LA CONSAGRACIÓN

“El Aviador” es la película (personalmente) que nos ha mostrado al Di Caprio más completo; alcanzó una madurez que debió haber sido reconocida con el Oscar, aunque sí se llevó el Globo de Oro. El trabajo realizado en la voz del personaje de Howard Hughes, la baja y subida de peso, la manifestación de la locura y excentricidad de un personaje con trastorno obsesivo compulsivo le exigió un trabajo que lo hizo crecer como actor. Escenas memorables de una gran película y de una extraordinaria actuación.

"The Revenant"

Otro trabajo que lo desafió, pero no a la misma altura del film anterior, sin embargo, La Academia no tuvo más remedio que rendirse ante este personaje que puso a prueba a Leo, debido a las difíciles condiciones que tuvo que superar para contar la historia. Entrar o salir de ríos congelados, dormir dentro de cadáveres de animales y la posibilidad constante de una hipotermia fueron sólo algunas de las condicionantes que debió considerar para desempeñar su rol y renacer en el páramo.

LA FACETA DEL DESPIADADO

"...Qué niño lindo...", ..."el papel de interpretarse a sí mismo..". Miles de frases ultra escuchadas y que el actor se encargó de borrar cuando Quentin Tarantino le ofreció el papel del cruel esclavista blanco Calvin Candie en “Django Unchained”. El personaje es sumamente importante en el guion pues provoca el punto de inflexión; hasta antes que Di Caprio apareciera en escena, el Dr Schultz sólo quería la recompensa y Django quería rescatar a su esposa. Luego de la aparición de Candie, ambos personajes giran su odio y redireccionan sus sentimientos de venganza.

EL DUEÑO DE LA DIVERSIÓN

En “El Lobo de Wall Street” lo vemos tomándose las cosas con total simpleza a la hora de interpretar las miserias de un ser humano que no duda en aplastar la vida e ilusiones de otros con tal de tener más. Si bien el guion pudo ser mejor trabajado, en un proyecto que le perteneció pues él compró los derechos, el personaje fue muy bien delineado y le quedó como un guante.

¿Cuál será su próximo papel? Sabemos que está filmando con Alejandro González Iñarritu (era The Revenant!!!!!), que algo se trae entre manos con Scorsese, que alza su voz para defender la salud del planeta, que organiza millonarios subastas para ir en contra del calentamiento global y la caza de ballenas y elefantes. El mejor Di Caprio cumpliendo 40 años y como el vino, lleno de proyectos que nos seguirán deleitando y esperando ese Oscar esquivo, pero que más temprano que tarde será de él…y el mundo lo aplaudirá de pie!!!.

¿Qué responsabilidad tienen las series del cable e internet en el desplome de la tv chilena?

Que canal 13 y TVN marquen 5 puntos, a las 20 hrs, era algo impensado en la época de “Rojo, fama contra fama”, “Mekano” y mucho más atrás, “Sucupira” o “Amores de Mercado”. Hoy, las propuestas televisivas chilenas no están dando el ancho y el público está respondiendo a ello con un verdadero misil: darle el favor y las preferencias a una novela turca…..¿quién podría haberse imaginado que una teleserie venida de Turquía provocaría el desplome de una estructura anquilosada hace décadas dentro de los canales de TV?.

El porqué de este fenómeno podría ser analizado luego, pero ¿le cabe algún papel, en esta debacle, el auge y la explosión de las series de televisión norteamericanas?

Sin duda, este fue el año en que las series terminaron por adueñarse de la pantalla y permitiendo que en varios segmentos del día, la opción “cable” saque más porcentaje de audiencia que cualquier programa chileno. Uno de los motivos puede ser que las series de televisión tratan al observador como un adulto y, por tanto, le ofrecen temáticas adultas, algo que la TV chilena lleva descuidando hace tiempo. En las series que hemos visto (por Fox, Showtime, HBO, FX, Sony, ABC, etc) hay una inteligencia al momento de tratar al espectador y también hay una mayor libertad creativa para productores y directores. Aunque en varias series está el personaje típico, éste es llevado un poco más allá, siendo dotado de características físicas o psicológicas que se van uniendo a un guion muy bien trabajado; esto ha cambiado las reglas de la televisión, ha cambiado sus códigos, y la tv chilena simplemente no se ha podido adaptar y continúa mostrando programas de concursos con rostros obligados a hacer el ridículo, teleseries con personajes que aparentan ser del día a día pero que están sobredecorados con características burdas, y el siempre recurso simplista de mostrar mucha piel, mucha ducha, mucha cama……y los niveles de audiencia, históricamente bajos, indican que eso ya no es novedad. El chileno quiere algo más en pantalla.

Y ese algo más lo estamos buscando afuera. Las mismas teleseries turcas son un ejemplo de que ya no nos atrae “lo chileno”, y ante la variada oferta en el cable e internet no hay donde perderse. Las series no tienen problema en saltarse la estructura típica de la tv, esa que te “obliga” a ir a largas tandas comerciales o a mostrar 25 minutos del capítulo anterior sólo para alargar el metraje. En las series gringas, y ojo con las europeas que son una obra de arte a nivel de fotografía y producción, vemos una línea argumental más variada, lo que obliga al espectador a hacerse fiel, a estar concentrado.

¿Es sorpresiva esta debacle en la tv chilena? Diría que no. Todo esto empezó hace tanto tiempo y es increíble que los mandamases de los canales no lo hayan visto venir. Cuando canal 13 exhibió “Lost”, años atrás, tuvo sintonías históricas, y eso que la serie se tuvo que ajustar a la rigidez estructural de antaño. En esos años fue capaz de crear fans, conversación, reflexión. El camino fue enseñado, pero nadie lo vio o nadie fue capaz de comprenderlo.

Podemos hablar mucho de True Detective, Leftovers, Dowtonwn Abbey, The Knick, The Strain, The Killing, The Walking Dead, Gotham, Homeland, American Horror Story…etc, etc….series tan distintas pero tan valiosas porque le dan al espectador la sensación de ser el dueño de la TV; el chileno está buscando, en las series, la posibilidad de dominar la narración, de dejar de lado el identificarse con los estereotipos que nos muestra la tv local, sin contenido adulto y que en muchos momentos rozan lo burdo.

Cuando en Chile, los cerebros de los canales comprendan que ahora es otro el concepto de industria se podrá trabajar en guiones mejores y en propuestas que tengan un valor. Y cuidado, que aparte de HBO, FX, Sony, Showtime etc, está el fantasma que crece a cada instante y que es el de internet, donde Netflix y Amazon ya lograron que HBO entendiera que no le basta ser un canal de cable y provocaron que ya anunciara su servicio streaming para 2015.

La nube negra parece continuar por un buen rato en el cielo de Bellavista hasta que no se comprenda que este es el momento para empezar a resurgir, este y no otro, pero de la mano de propuestas de valor que involucran mirar al telespectador de otra forma.

Christopher Nolan, en momentos

Es difícil encasillarlo, porque luego de la trilogía  "Batman", y muy particularmente con el estreno de la esperada "Insterstellar", el nombre de Christopher Nolan está en la palestra, con seguidores acérrimos y detractores a full.

Es un muy buen director, que le interesa disfrazar la ciencia ficción de un componente filosófico y moral muy bien trabajado en sus guiones, y que con los actores indicados, logra una combinación perfecta de estas 2 puntas de lanza, las que se traducen en éxitos de taquilla, y presencia en los medios por mucho tiempo.

En momentos, para mi, este es el mejor Christopher Nolan:

 

1. MEMENTO

Su magnífica opera prima. Ya en los créditos él busca impactar,golpear desde el inicio, sin hacerte esperar te presenta a los protagonistas junto a sus dobleces. Desplegando el truco pretende mantener enganchado al espectador con toda la historia que veremos luego. Según mi opinión, es su película más completa, más redonda, logra todo lo que se propone.

2. INSOMNIA

 

Esta es una gran escena dentro de una película fallida en general. Queda clarísimo que cuando da con el actor correcto puede hacer magia, transformando guiones complejos y tramas grandilocuentes en dramas de vida. Entra a tallar uno de sus puntales favoritos, el flashback como apoyo al espectador.

 

3. THE PRESTIGE

Mantener en vilo a quien ve la película, esa es su meta, para eso está todo trabajado. En "El Prestigio" tenemos a uno de sus actores favoritos exponiendo los componentes de lo que es una ilusión. Aqui, un ejemplo.

 

4.THE DARK KNIGHT

Luego de esta película, todos queríamos ver actuar a Heath Ledger hasta viejito. Es increíble como un actor encuentra el papel correcto, el que lo hará inmortal, y acá Nolan tuvo mucho que ver en la creación de este Guasón perturbado, oscuro, demente, quedando como uno de los mejores villanos de todos los tiempos. Esta escena, la del interrogatorio, es magistral en cuanto al trabajo de cámara, de profundidad del guion y de cómo el victimario saca lo peor de la víctima.

 

5. INCEPTION

Nolan tiene fama de confundir al espectador, e "Inception" sí que fue una película compleja; pero cuando logramos desenredar la madeja entramos a una propuesta fascinante, original, con una edición de lujo, montaje excepcional y fotografía exquisita. Esta película está llena de trucos que nos tienen en vilo, en tensión, esperando conocer la siguiente pista que dará el director. Esta película es cine.

Aún pensamos cuál de "Interstellar" puede ir en esta nómina, pero sin duda estamos hablando de un director que ya hace historia por lo que propone en pantalla y por lo que genera fuera de ella.

Donde 2001 era razón, Nolan puso el corazón

Pensar en grande, rodar a lo grande. “El Origen” y la trilogía de “Batman” son apoteósicas puestas en escena, y cada una brillante ya sea por guion, actuaciones, reflexiones, efectos especiales. Esa es la forma en que Christopher Nolan se relaciona con el cine…nada es simple, todo es pensado en gigante porque este impacto forma parte del corazón del film.

Durante todo el año se habló de “Interstellar”, y sin duda era la película más esperada. Luego de verla nos queda claro que no es el trabajo más redondo de Nolan pero sí observamos los patrones típicos de sus entregas: el dilema filosófico, el guion tipo madeja de lana y efectos especiales importantes. Lo bueno es que en “Interstellar” hay algunos de ellos muy bien trabajados.

A nivel técnico puede ser comparada con “2001: 0disea del Espacio” o “Gravity”, pero tiene la oportunidad de encontrar su propio camino al tener de base el deseo de un padre de salvar el planeta, pero para sus hijos.

Si uno quiere ser muy detallista e hilar super fino, los que son fans de “2001: Odisea del Espacio”, pensarán que Nolan quiso arrodillarse ante la brillantez de Stanley Kubrick, y otros menos generosos dirán que directamente es una copia, ya sea por el viaje en la relación espacio-tiempo o por los intensos planos.

Nolan es talentoso, y saca de la nada momentos para la historia del cine, pero repensando la idea central del guion, creo que le costó relacionar las 2 puntas de su lanza……había una trama llena de emocionalidad que en algunos pasajes no se encontraba con la majestuosidad del espacio, cayendo en momentos de letargo y lentitud. La película trata de mezclar supervivencia, amor, lucha, en un relato que no es puramente científico; Nolan reúne preciosos momentos para construir un puente que va al corazón de un hombre y que busca desnudarlo en sus instintos más primitivos. ¿Qué es lo que sobrevive finalmente?, ¿la especie humana o el individuo?.

Esta pregunta da origen a todo, y por ello no hay exceso de escenas puras de ciencia ficción, lo que podría decepcionar a más de alguien, pues el envoltorio del film es moral y filosófico. Esto no quiere decir que la película no sea vibrante, pero sí es un proyecto mucho más personal que “The Dark Knight”, por ello, para no perder la masividad ganada con la trilogía, es que se le ofreció el papel a uno de los actoes del momento, Matthew Mc Conaguey, quien venía de ganar el Oscar por Dallas Buyers Club y se afianzó con la serie True Detective. La fotografía es preciosa, los efectos especiales están para ganar el Oscar (al igual que lo hizo “2001” en su momento).

Nutrida, además, por el siempre virtuoso Hans Zimmer, se provoca una parábola temporal, de una reinterpretación de valores, pero sí hay que mencionar que en algunos momentos se cae en una lentitud que obliga a la edición a ir muy rápido hacia un final un tanto forzado.

El éxito de taquilla está garantizado porque es Nolan. El éxito de taquilla está dado porque esta lanza tiene 2 puntas: inteligencia y sentimentalismo, las que tienen una pugna durante toda la trama por ser la ganadora; si bien Nolan controla el film, el viaje es tan emocional que a veces se torna abrumador.

WHIPLASH, y lo que ningún amante del jazz se puede perder

Este año hemos visto buenas apuestas donde se trata de unir una buena historia a una buena música. Jersey Boys es un buen ejemplo, pero acá el joven Damian Chazelle nos da un golpe a la cara y nos presenta una película apasionante y divertida, donde la severidad de la instrucción musical y el combate interno entre lo que soy y lo que quiero ser, rara vez se vincularon tan bien.

Andrew Neiman es un joven baterista de jazz absolutamente enfocado en alcanzar la cima. Terence Fletcher es su instructor, reconocido tanto por su talento como por sus aterradores métodos de enseñanza. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección rápidamente se convierte en obsesión, la que es alimentada maliciosamente por su profesor….

Cualquiera que haya tenido un profesor manipulador o que se mete con la vida de los estudiantes, sin duda, tendrá recuerdos con este amargo retrato donde la narrativa está estructurada desde el punto de vista del joven.

El profesor está interpretado por JK Simmons, quien logra una magnífica interpretación, llena de intensidad, dureza….. todo ello mostrado en constantes intimidaciones, insultos y abuso a  su puesto de trabajo en el Conservatorio de Música de Shaffer, que es el número 1 en el país. Simmons es un actor muy experimentado que siempre lo ha hecho muy bien, desde el divertido director del Daily News en “Spider-Man” hasta el padre apoyador y complaciente de “Juno”, se apodera del personaje sin miramientos: "¿Es usted una de esas personas de una sola lágrima?", frase aterradora, que no sólo le da fuerza al guion sino que coloca al personaje en el standard que el director quiere mostrar de este instructor. Esta actuación de Simmons está perfectamente para un Óscar y desde ya lo candidateamos. Miles Teller lo iguala en ocasiones, pero con la diferencia que su personaje evoluciona a medida que la música lo va haciendo. Teller es un músico muy aficionado, de hecho, al ver el making off de la película, él mismo relata cómo se le hizo muy fácil entregarse a cada escena pues la música es parte de su vida, y tocó de manera real en casi todas sus escenas, logrando transmitir sensaciones que un actor que sólo practicó para esa película no habría logrado transmitir. Parte algo tímido, pero luego repunta como lo hace su propio personaje.

La música es actriz principal en esta película; si hablamos sobre la evolución de un gran jazzista no pueden faltar temas intensos que nos acompañen durante el desarrollo artístico de Andrew Neiman. Intensidad acompañada de imágenes duras, de manos ensangrentadas que sólo buscan mostrar el máximo esfuerzo por lograr tocar en el tiempo adecuado. Especial atención a los temas de jazz de los concursos de música y de los bares con música en directo, un deleite.

Hay un par de fallas en el guion pues hay que reconocer que ya hemos visto esta historia del maestro cruel que exige a su alumno soñador; hay una relación sentimental que se pierde en la historia y que termina ofreciendo su protagonismo absoluto a esta pareja profesor-alumno. Pero son detalles que olvidaremos gracias a la fuerza interpretativa de 2 actores y por esa escena final inolvidable, hecha sólo con arte.

Reventó el Festival de Sundance ganando a Mejor película y Premio del público; se acaba de presentar en Sanfic como la típica película independiente que puede arrebatarle el protagonismo a las superproducciones hollywoodenses. Y ojalá así sea.

PERDIDA: EL KNOCK OUT DE FINCHER

Causa la misma sensación que esos libros que descubres de tarde en tarde. A la quinta página estás totalmente atrapado por la historia, por las sensaciones, los personajes, el entrecruce de detalles y las ganas de seguir y seguir devorando ese texto hasta el final.

Con “Perdida” pasa exactamente igual. A los 15 minutos la velocidad psicológica de este thriller te tiene atrapado en una maraña de tensión que no va a soltarte. Es realmente una adaptación demoledora la que hace David Fincher de la obra de Gillian Flynn.

Prometo no contar ningún detalle de la trama, aunque el tráiler ya devela bastante, pero sólo les voy a comentar que no se dejen llevar por nada que lean ni que les cuenten. La idea es que vayan a disfrutar de esta cinta que, junto a Relatos Salvajes y Hotel Budapest, debe ser lo mejor que hemos visto este año en las salas.

Lo mejor de “Perdida” es la perfecta combinación de melodrama sentimental con suspenso, intriga y humor negro, todo apoyado totalmente en el libro en el que está basado. El texto madre sirve como plataforma ideal porque los personajes no son manipulados, se ajustan muy bien a los del libro, pero la magia de Fincher es liberar el ritmo, hacer de la película un viaje a mil por hora en 150 minutos; también es maestro cuando mezcla géneros, ya lo comentamos más arriba, y nos muestra distintos planos y dimensiones. De la trama en general me encanta cómo pone en el tapete la labor actual del periodismo, invadido de redes sociales en donde al parecer el que tira antes la información se superpone sobre el resto, y también es genial cómo la palabra “manipulación” política, y mediática también, es la reina de estos tiempos hiper conectados, en donde enjuiciamos escondidos en un nickname y donde la televisión y las noticias hacen un show diario de la vida y los dramas de gente real.

En esta película le doy una vuelta a mi apreciación actoral sobre Ben Affleck. Jamás me ha parecido de lo mejorcito que hay en Hollywood, es más, creo que en “Argo” demostró más dominio detrás de cámara que delante de ella, pero en esta película, y de la mano de Fincher, da un paso adelante. Combina sutileza con sobriedad alcanzando un nivel que sin duda lo postulará a la temporada de premios, porque hacía rato que no lo veíamos tan arriba, quizás hasta debiera meditar si está bien tomada la decisión de vestirse de Batman luego de esto.

Rosamund Pike soberbia, una actriz sin excesos en lo gestual, inteligente, rotunda. Y qué decir de Neil Patrick Harris, un actor que acá, aunque es secundario, se pone al frente en varias escenas siendo totalmente encantador. El tipo ya ganó un Tony este año y en "Perdida" da muestras que es mucho más que un comediante.

Melodrama perfecto, fascinante. La adaptación es impactante. Un thriller tenso totalmente excepcional. Con su paso maravilloso por la serie House of Cards y con esta película, más todo su glorioso “pasado”, David Fincher, creo, se pone delante de varios cineastas en cuanto a astucia, calidad del relato y calidad del vértigo de la acción. Aquí hay un crecimiento a nivel de dirección y sólo puedo decir que David FIncher ha dado el golpe de knock out del 2014.

Vayan a verla y juzguen ustedes mismos el por qué.