lunes, 22 de abril de 2024

Ripley: el mal siempre triunfa

Interpretar a un personaje icónico, como Tom Ripley, puede ser una trampa para cualquier actor; porque hay que ponerse en la piel de alguien que, en esencia, no es nadie. El célebre estafador llegó a Netflix de la mano de Andrew Scott y Steve Zailian, en una adaptación vibrante, llena de elementos distintivos y artísticos, que nos hacen regocijarnos en la idea de que el mal termina siempre imponiéndose ante el bien.


Patricia Highsmith fue una de las grandes escritoras de género policiaco, centrando su obra en torno a la mentira y el crimen. La saga de Tom Ripley comenzó en 1955 y desde allí ha tenido varias adaptaciones al cine. La primera, con Alain Delon, y la última, con Matt Damon. En ambos casos, el rol fortaleció la carrera de ambos actores, siendo el turno, en 2024 y en formato serie, de Andrew Scott, bajo el paragua universal de Netflix.

Dirigida y adaptada por Steve Zailian, ganador del Oscar por el guion de ‘La lista de Schindler’ y creador de la magnífica ‘The Night Of’, su reto era conseguir un nuevo Ripley, uno que se incluyera en la discusión de si  Alain Delon, Dennis Hopper, John Malkovich o Matt Damon fueron mejores, o si su versión los sobrepasaba. Por otro lado, el salir por una plataforma como Netflix también implicaba un trabajo en el ritmo y visualidad, pues la masa de espectadores que allí se encuentran, probablemente nunca habían escuchado hablar de este personaje. En este campo, se decidió por una fotografía increíble en blanco y negro, obra de Robert Elswit, 

‘Ripley’ desarrolla y estampa su sello en ocho episodios que, pese a tener un ritmo pausado, son una oda al clasicismo, al cine de los cincuenta. A esto, se le suman otra serie de elementos que hacen crecer la propuesta. Está el guion, que se toma su tiempo en contarnos su trama y la propuesta visual; está Robert Elswit (ganador del Oscar por ‘Petróleo Sangriento’) y su trabajo de lujo en la foto, elevando cada plano hacia el arte, dándose tiempo para que uno desee estar en esos lugares de ensueño.


En una época en la que todo es consumo rápido y hay demasiadas propuestas para ver, este ‘Ripley’ deja respirar sin convertirse en fatiga; cada mirada, cada gesto, cada música tiene un por qué y van armando el set de elementos que crean el ambiente de la serie, para que todo vaya explotando hacia la segunda mitad de la temporada. Pero si hay que referirse a un elemento como esencial, ese es Andrew Scott; nos da un Ripley perfecto, uno refrescante, que maquina, que va urdiendo ideas en su beneficio a través de la mentira y su carisma único. Una mente privilegiada que Scott  la demuestra con pocos gestos, muy calculado, y creemos que se ha ganado la nominación a los premios de la temporada. Johnny Flynn no llega a la altura del Dickie Greenleaf de Jude Law, pero Dakota Fanning sí está perfecta en Marge Sherwood y su expresión de continua sospecha hacia Tom Ripley.

También hay que mencionar la banda sonora de Jeff Russo (‘Fargo’), que acompaña continuamente al personaje principal por esas calles italianas. 

La suma de todo otorga una serie con identidad propia y permite conseguir no sólo belleza instantánea, sino conexiones visuales que acentúan la profundidad de la tensión; allí sobresale la atenta mirada del gato Luccio, que parece vigilar a Ripley en todo momento, o también ,los planos a la sobras de arte del Caravaggio o las estatuas que adornan cada casa y cada calle italiana de esa época. Este thriller está lleno de sorpresa y de suspense, dos elementos que hoy poco se encuentran y que Netflix supo amparar para beneficio de la historia.

En un momento en el que la mayoría de las series optan por acelerarlo y rellenarlo todo, con miles de subtramas confusas y personajes que no aportan, en ‘Ripley’ es el silencio, la historia, lo que importa. Sin duda, esta serie es un gran acierto y tendremos que ver muchas series durante el año para encontrar alguna que se le iguale en calidad visual, en un guion con giros como los de antaño, en una actuación descollante, silenciosa y ganadora que, aparte de desear ver pronto el siguiente episodio, te deja unas ganas únicas de vivir en ese pequeño Atrani.

miércoles, 6 de marzo de 2024

La Zona de Interés: la bestialidad del sonido

La nueva película del director Jonathan Glazer reafirma la oscuridad de su propuesta con esta película sobre el holocausto, la que propone una reflexión distinta a las conocidas y que se basa en el juego con el lenguaje cinematográfico. El film termina siendo un abrumador retrato de la banalidad del mal, con el cual el espectador es sacudido hasta el extremo.

 

Lo que Glazer presenta es la vida cotidiana del nazi. Esta es una mirada poco explorada en los 70 años en que se llevan haciendo películas sobre este punto negro en la historia universal. También entran en el relato la esposa del comandante, los hijos y la convivencia en una idílica casa colindante al campo de concentración de Auschwitz. Un muro gris separa esta apacible vida del salvajismo extremo.

'La Zona de Interés' propone al público un ejercicio cuyo objetivo es removerlo de la pasividad, porque el asombro aumenta cuadro a cuadro, cuando el cineasta pervierte los registros para sugerir una actividad constante, como en las películas de corte experimental: como la verdadera historia de la película no está completamente visible, se nos obliga a mantener total atención. En ese contexto, la puesta en escena, la foto y, principalmente en este caso, el diseño de sonido, son los tres pilares que sostienen la película y que la elevan como una de las más potentes del año.


Hay que considerar que la tragedia no se ve, entonces, el trabajo de configuración para cada plano es sorprendente. Imaginar, abrir la mente, dibujar el horror gracias a los sonidos que se escuchan a lo lejos, pero con la suficiente fuerza para ser omnipresentes. Glazer logra que el poder de la imaginación se desborde con una composición milimétrica del fuera del campo visual y serán los sonidos los que sobrecogerán, transformado la experiencia, para muchos, en una película de terror; esto se subraya cuando se utiliza el negativo, porque a estas alturas del film el espectador ha abandonado la comodidad, ha imaginado y configurado en su mente la tragedia, alimentada de la experiencia de haber leído y visto tanto sobre el holocausto; sin embargo, los últimos 5 minutos de película son una brutal declaración de intenciones del director, donde hace un llamado a no suponer el final, sino que lo recrea saliéndose del tono y asumiendo el realismo que ha evitado durante todo el visionado.

'La Zona de Interés' ha aumentado significativamente su importancia y es una de las películas que más cometarios genera, porque estamos en tiempos de guerra, vivimos una realidad alienante que nos obliga a pensar que el film de Jonathan Glazer es sobre el hoy, el ahora, y otorga varias lecturas sobre los conflictos que están ocurriendo, a través de estos protagonistas del holocausto. Dolorosa, sobre un tiempo lejano, pero, a su vez, profundamente actual. Glazer entrega su película más impresionante.

domingo, 21 de enero de 2024

Los que se Quedan: la vida tiene sentido, a pesar de todo

Alexander Payne está de vuelta con un melancólico relato de amistad y pérdida. En poco más de 2 horas, tres almas intentan huir de lo que sienten, de olvidar las cicatrices que llevan a cuestas, mientras el aura de la película los somete a pruebas que los instan a mirar el lado bueno de estar vivo.


Historias de Navidad hay miles. Por doquier tenemos comedias románticas y propuestas animadas que abordan la festividad desde el lado optimista. Pero también hay otras donde la Navidad es sólo un punto de partida para reflexionar sobre algo más profundo. En este grupo se ubica Los que se Quedan, del director Alexander Payne (Nebraska, Los descendientes) quien aprovecha el frio y la nieve de la Navidad del hemisferio norte, para ahondar en tres almas rotas que conviven en la inmensidad de un colegio de clase alta, en los inicios de los años ‘70.

Desde los créditos iniciales, Payne deja claro el tipo de película que veremos: nostálgica, melancólica, pero muy interesante por cómo estará contada. Rápidamente son introducidos los tres personajes que, con la Navidad de fondo, verán exaltadas sus emociones; en un principio, muchos tendrán la opinión que la propuesta de Payne se irá por el lado depresivo, sin embargo, nos vamos topando con dosis importantes de humor, lo que permite un equilibrio perfecto y necesario para la narración.

Pero ¿Quiénes son estos tres seres que dan vida al film?. Pues, el profesor Hunham podría ser un cliché vivo, uno de los tantos profesores que hemos visto en el pasado y que intenta dar educación a jóvenes ricachones que dan todo por obtenido. Pero lo que hace Paul Giamatti con su personaje es una maravilla; grita, es irónico y más expresivo de lo necesario, pero cuando muestra sus frustraciones, toda esa careta encaja de gran manera. Sus gestos, miradas y vocabulario hacen que su trabajo sobresalga, tal cual cuando saca el lado paternal para acoger al alma atormentada de su estudiante, lo cual pocos actores pueden lograr de forma tan convincente. Y el gran complemento del profesor Hunham es el debutante actor Dominic Sessa; verlo en pantalla es darle a Payne el beneficio del acierto total, pues su trabajo se destaca absolutamente; incluso, en varias escenas ‘bandejea’ perfectamente a Giamatti, se para de igual a igual frente a un avezado, lo cual genera resultados sobresalientes. Se desenvuelve ante la cámara con naturalidad, tiene química con actores de mayor edad y carga con el peso de importantes secuencias. Y lo que hace Da´Vine Joy Randolph es significativo, porque carga con el personaje más complejo y que más se contiene. Mary trabaja sin parar, convive con sus compañeros, es rigurosa en sus funciones y, sin embargo, su vida no tiene sentido porque ha sufrido el dolor más grande que cualquier madre podría enfrentar y trabajar con decenas de jóvenes, que todo el tiempo le recuerdan al hijo que perdió, es un golpe al espectador, quien se pregunta cómo puede aguantar la vida. En este caso, Mary es el personaje con más cable a tierra, el más terrenal de la película y su brillante interpretación y desarrollo ayuda a responder la premisa de este film: que vivir debe valer la pena y hay que encontrar ese significado cuando se pierde.


El diseño de producción, la fotografía y la música realmente hacen que el espectador entre en la época donde se desarrolla la historia; toda la ambientación está tan bien lograda que realmente parece que estuviéramos viendo una película de los ‘70. Y el guion acierta en situar la historia en una época sin tecnología como la de hoy, donde claramente el contacto humano se ha visto afectado. En la inmensidad de ese colegio, rodeado de nieve y soledad, estas tres almas se encuentran y aprenden a ser soporte del otro y vivir inesperados momentos.

Aunque se trata de una historia original, Los que se Quedan podría convertirse en otro clásico que retrata  la relación profesor-alumno, y estas películas siempre marcan a más de alguien. Hunham es uno de esos profesores que termina dando más lecciones fuera del aula y ese tipo de enseñanzas terminan por quedarse no sólo en Tully, sino que también en los espectadores. 

En tiempos de producciones pretenciosas e historias que solo son un remake, Los que se Quedan es un remanso de quietud. Giamatti, Sessa y Randolph forman un trío perfecto al mostrar los efectos de la pérdida, lo cual no sucede desde el resentimiento, sino desde las ganas de encontrar un sentido a la vida. De esta manera, Alexander Payne está de vuelta con una de sus mejores propuestas, un relato sensible pero equilibrado entre humor y drama, que habla de solidaridad y del doloroso proceso de aceptar la realidad.

sábado, 30 de diciembre de 2023

Mejores series de 2023

 La naturaleza de este blog es hacer listas de fin de año, lo que es muy difícil considerando lo explosivo de la oferta y que ya no todo está en Netflix. Consideramos que fue un año atípico, donde creció la oferta de animé e inteligencia artificial provocando in certezas sobre si estamos en un cambio de época en el mundo seriéfilo. Con sus pro y contras, haremos un balance del querido mundo de las series en 2023.


13.Fleishman está en apuros

Reparto: Jesse Eisenberg, Claire Danes y Lizzie Caplan

Sensacional miniserie que navega con humor por la vida de un divorciado, en el momento en que su ex le deja a los niños en casa y desaparece. Tras esta premisa, se desarrolla una fascinante exploración de la vida adulta y de la crisis de los 40. Lo que realmente funciona en Fleishman está en apuros es su reparto, el cual deja momentos fantásticos. Claire Danes no aparece mucho (de hecho hay episodios en los que apenas la vemos) pero su presencia se nota durante toda la serie, siendo el fantasma del pasado y presente de la vida de los Fleishman.

 

 12.A Friend of the Family

Reparto: Jake Lacy, Colin Hancks, Lio Tipton

Son 9 episodios que explican un bizarro caso verídico de grooming, abuso sexual a menores y secuestro, que contiene tantos giros increíbles que si no estuviera basado en hechos comprobables, serían muy difíciles de creer. Nick Antosca firma este intenso true crime que repasa el caso de los Broberg y el vecino que, a lo largo de los años, secuestraba una y otra vez a su hija; todo un cuento oscuro sobre un depredador y su presa. ‘A Friend of the Family’ es un gran drama sobre una familia que logra superar algo terrible para llegar a un lugar de perdón y sanación.

 

11.The Last of Us 

Reparto: Pedro Pascal y Bella Ramsey

Si bien es inevitable pensar en otros dramas postapocalípticos televisivos, como The Walking Dead, con la que comparte ciertos temas, el viaje de Joel y Ellie resulta absolutamente sobrecogedor. Un fascinante drama que se volvió un visionado imprescindible.

 

10.Pluto 

Adaptación de una historia de ciencia ficción que cumple de sobra, porque está excelentemente escrita; de paso, sirve de homenaje a todo el inmenso mundo de Astro Boy. 'Pluto' plantea un futuro no tan distante pero sí muy avanzado, en el que  humanos y androides conviven en paz y, con estos últimos, perfectamente integrados en la sociedad como policías, niñeras y hasta luchadores de wrestling.


9.Junji Ito Maniac: Japanese Tales of the Macabre

Esta antología japonesa de terror es perfecta para pasar una entretenida noche de miedo, gracias a sus grandes y perturbadores relatos. Episodios cortos y con guiones que equilibran muy bien el suspenso y el terror, pero no ese que habla de asesinos con cuchillos; el valor de 'Junji Ito Maniac' se basa más en presentar una atmósfera intranquila y perturbadora, donde sabes que algo no está bien en lo que parecer un día normal en una calle normal.


8.Nada

Reparto: Robert De Niro

Son cinco episodios de media hora que retratan la vida diaria de un peculiar personaje, con todos los vicios de un anciano caprichoso; un Roberto De Niro admirable que trata, en un español muy forzado, de explicar la diferencia entre “boludo” y “pelotudo”, entre otras cosas bien curiosas. La melodía melancólica y alegre que articula la trama, le da un aire especial y entrañable.

 

7.Bodies

Reparto: Stephen Graham, Shira Haas.

Basada en la novela gráfica homónima de DC, la producción muestra a cuatro detectives, en cuatro épocas diferentes, que se topan con el mismo cadáver y un crimen enigmático que deben resolver. La producción sobresale por una trama en la que se combinan viajes en el tiempo y recreaciones históricas muy bien logradas, aunque el final deja a muchos rascándose la cabeza. 

 

6.Querida Niña

Por la cantidad de giros en la historia, se presenta como un rompecabezas confuso y con perspectivas fragmentadas, pero de una forma que atrae al espectador en vez de espantarlo. Y aunque la premisa puede resultar familiar, el guion toma direcciones sorprendentes que logran sostenerse hasta el final.

 

5.The woman in the wall

Reparto: Ruth Wilson

Este drama  examina el legado de uno de los escándalos más impactantes de Irlanda: las instituciones inhumanas conocidas como ‘Las lavanderías de la Magdalena’, un lugar al que se llevaba a las mujeres que incumplían las costumbres sociales de su época (desde las acusadas de adulterio hasta las embarazadas adolescentes). Cuando finalmente cerró sus puertas, un millar de supervivientes quedaron con sus vidas destruidas, muy pocas pudieron seguir adelante y otras, como Lorna, tuvieron incluso menos suerte en su destino.



 

4.Stonehouse

Reparto: Matthew Macfayden

Miniserie británica protagonizada por Matthew Macfayden, una de las estrellas del glorioso reparto de Succession. Parte de esa brillante interpretación se traslada a esta recreación del político John Stonehouse, un parlamentario que protagonizó uno de esos escándalos políticos más increíbles d ellos que se tenga memoria y que hacen completamente necesaria la advertencia de que esto está basado en hechos reales. Un escándalo muy british.



 3.Best Interest

Reparto: Michael Shannon


Escrita por Jack Thorne, la miniserie de cuatro partes ofrece un estudio conmovedor de una familia dividida por los debates éticos y las prácticas médicas y legales involucradas en estos casos de tener qué decidir si dejar morir a un ser querido. Equilibrado y matizado, el guion no defiende una posición ni proporciona respuestas a las preguntas espinosas que plantea, sino que inspira compasión por aquellos que se enfrentan a una decisión tan imposible.



2.Succession

Tras cuatro magníficas temporadas y 39 episodios inolvidables, el misterio alrededor de quién iba a suceder a Logan Roy fue resuelto de forma memorable, siendo un cierre impecable para una historia que tenía mucho de culebrón con tintes empresariales, pero que supo respetar a sus personajes. Cuestión aparte es el deterioro emocional de Shiv y cómo su relación con Tom la llevará a una condena; fue la mejor derrota posible para ella, porque sigue estando sometida a los designios de otro, tal cual el imperio de los Roy, el que ha caído y Waystar ya no es más que una pieza en el imperio de otro. Aquí lo realmente importante era ver en qué posición quedaban los herederos, tras todas las traiciones y desiluiones desarrolladas. 



1.Perry Mason

Casi tres años hubo que esperar para que regresara Perry Mason y su segunda temporada. El abogado interpretado por Matthew Rhys volvió con señales más claras sobre su  identidad. Si bien hubo cambio de guionistas, la dupla formada por Rolin Jones y Ron Fitzgerald dio paso a Jack Amiel y Michael Begler, cocreadores de una de las mejores series de la década pasada, el estupendo drama médico The Knick, quedó la sensación de una buena cuadratura en los arcos narrativos y que se apretaron teclas distintas a las de la primera sesión de 2020. Esto se tradujo en una mejor caracterización de los personajes (a los que se les dio un peso similar al de Mason) y en un mejor desarrollo de la ciudad de Los Angeles de los años ’30, más allá de los tópicos del pulp y del noir.

Esta segunda temporada, protagonizada por un impecable Matthew Rhys, volvió a demostrar por qué fue la mejor serie en su año inaugural, por qué podía seguir adelante con el desarrollo de otras historias paralelas tan interesantes como la vida de Mason, y por qué dolió tanto su cancelación.



lunes, 21 de agosto de 2023

‘Barbie’, la película: muchos temas, poco tiempo

La nueva cinta de Greta Gerwig ha sido celebrada en el mundo entero, recreando lo poderosa que es la marca ‘Barbie’ en la cultura contemporánea. Si bien es una celebración a la importancia de la muñeca, la película dedica tiempo a su repercusión directa en la diversidad, la exploración de la identidad femenina y extiende una dura crítica a la misoginia.

‘Barbie’ no pierde minutos y desde el comienzo nos plantea su propuesta:  mostrar las vivencias de su protagonista, todas centradas en una realidad perfecta; pero en ella, Barbie es una más en una variedad interminable de réplicas. En este punto, el argumento aborda el tema de la identidad a través de las características del juguete, por tanto, no hay aspiraciones, solo un nombre. Y en Barbieland, el contexto donde ella se desarrolla, es  un lugar donde solo hay felicidad, escondiéndose una burla al optimismo artificial, la sexualidad contemporánea, la vanidad y los prejuicios, donde a ratos es sorprendentemente adulta. De hecho, el argumento deja entrever la ingenuidad de este universo con bastantes dosis de humor negro, siendo éste  uno de los puntos altos de la película. Junto a esto, el uso de su sobrecargado apartado visual deja un mensaje tipo declaración de intenciones acerca de lo femenino, en rosado y en labores cotidianas, para manifestar la personalidad de este universo muy parecido a un oasis alejado de la realidad.

Con un reparto estelar, Barbie enfoca su primera media hora en recorrer estas decenas de Barbies en distintas profesiones, mientras los Ken se dedican a la diversión; este contrapunto da la sensación de que bastaría un mínimo desequilibrio para que este oasis tenga un desbalance y aparezca el desastre que, por supuesto, ocurrirá, cuando Barbie comience a hacerse preguntas existenciales que van más allá de su experiencia en Barbieland. A la entrega de este mensaje ayuda muchísimo la fotografía de Rodrigo Prieto, porque impulsa la visualidad rosa para ir incluyendo elementos propios de la transformación de Barbie, la cual es incómoda cuando empieza a percibir que sus identidades fragmentadas (la doctora, la presidenta, la abogada, la presidenta de las Suprema Corte y más) se hacen necesarias a medida que más preguntas se hace. Greta Gerwig es consciente que el cambio interior se manifiesta en el exterior, y la foto va acorde a esto.


Tal cual Matrix, Barbie debe asumir que es la elegida, pero ¿para qué?. Y allí es donde el film se mete en una variedad de temas muy actuales y de urgente reflexión: la idea del autoconocimiento, la reivindicación del individuo, machismo, misoginia, el nuevo feminismo, la dominación corporativa. Sin duda este planteamiento compone la meca del argumento y, quizás, en su elaboración, sea lo menos logrado del film, porque al atravesar tantos tópicos, finalmente no profundiza en ninguno.

Los minutos finales nos entregan una inusual conclusión (¿secuela?) y el mensaje de Greta Gerwig queda más claro. Barbie es mucho más de lo que parece, es un legado cultural que se vuelve más importante al mirarla en su diversidad y concepción de heroína en su propio mundo. Quizás no cumple con todas las expectativas que despertó su campaña promocional, pero es relevante destacar la cantidad de reflexiones sobre la identidad presente y futura que plasma sobre el individuo y, al mismo tiempo, está mejor construida que otras películas que refieren a la libertad del ser humano en un mundo hostil.

domingo, 9 de julio de 2023

Wham!, el documental: La misión de una amistad verdadera

Netflix acaba de estrenar el documental Wham!, que cuenta la historia del dúo pop que integraron George Michael y Andrew Ridgeley. Si bien sigue las directrices básicas de un documental musical, va dejando reflexiones sobre cómo la amistad es puesta en juego cuando el éxito, la fama y el dinero van metiendo su cola en la relación de dos jóvenes que crecieron juntos para hacer realidad el mismo sueño.

 

A inicios de los ’80, cuando Inglaterra iba dejando atrás la estela de destrucción y fealdad del punk, dos jóvenes británicos decidieron tomar al mundo por sorpresa. Para Andrew Ridgeley y Georgios Panayiotou (George Michael), era un sueño el ser famosos a través de la música, amor que compartían desde los 11 años cuando se convirtieron en mejores amigos de la Bushey Meads High School, en Hertfordshire. De ese hilo se toma Chris Smith para ahondar en una carrera vertiginosa, que solo duró cuatro años y que lanzó al estrellato a uno de los más prolíficos compositores del siglo XX. Con una mixtura entre rap, disco, pop y letras de crítica social contra el thatcherismo, Wham! se ganó un espacio en la televisión británica y en la nueva escena musical que nacía a punta de  buenos ritmos, pelo largo, color y sonrisas brillantes; si bien esto fue parte del siguiente estilo preponderante (la New Wave), el talento de George y Andrew para escribir, componer y producir queda en evidencia en el metraje pero, junto con esto, va develándose el mutuo apoyo que se prestaban dentro de esta vorágine; Andrew ayudó al nervioso e inseguro George a encontrar su voz musical en esa juventud , reconociendo que sus direcciones compositivas eran diferentes y que llegaría el momento en que cada uno iba a querer seguir creciendo pero en su propio lado.  

Una de las narrativas clave del documental será la liberación de identidad de George, quien no sabía cómo transitar hacia el reconocimiento público de su homosexualidad. El film también indaga en el panorama musical de los ’80, en el pop y la novedad que significó la propuesta de este dúo.

 


Chris Smith se planteó el objetivo de responder estas preguntas a través de imágenes de archivo y entrevistas de audio con Andrew y George (quien grabó sus pensamientos antes de morir en 2016). El resultado es un retrato optimista y afectuoso de dos niños que lograron su sueño de adolescentes, apoyándose en cada paso y no dejando que la envidia o terceras personas cortaran el hilo que los unía desde niños; una de las partes más conmovedoras del film, pasa por la forma en que Ridgeley va cediendo protagonismo y de, alguna manera, va impulsando la carrera solista de George, asumiendo que la disolución de Wham! era inevitable, aunque estuvieran en un momento álgido y con mucho caudal creativo por desarrollar; llegó un momento en que George era reconocido como compositor y eso se refleja en la emoción que le produjo haber recibido el Ivor Norvello siendo tan joven, lo cual fue otro indicador de que él estaba listo para encumbrar el vuelo y dejar en el nido a quien había sido su fiel compañero. Finalmente, el resumen del documental es una historia de amistad verdadera en medio del caos del éxito absoluto, haciendo que la trama se vuelva muy interesante incluso para quienes nunca han sido fans del dúo.

Una amistad sincera, trauma oculto y sacrificio, esto es Wham! y su meteórico ascenso, el cual es revisitado con excelente archivo y dos voces que hablan con calma y mesura sobre ese momento de sus vidas; obviamente está la pregunta de si acaso no faltan piezas en esta historia, de si verdaderamente todo ocurrió sin peleas ni recriminaciones, aunque el razonamiento de Ridgeley parece tan sincero y generoso que, en una de esas, esa separación sí estuvo marcada por el cariño verdadero que, al parecer, sí se tuvieron.

viernes, 3 de marzo de 2023

Oscar 2023: favoritos y predicciones

Falta muy poco para vivir una nueva fiesta del cine con los premios más reconocidos de la industria. Empezamos a jugar con los favoritos y a dejar claro quiénes se merecen el premio que, seguramente, no obtendrán.


Mejor Película

Everything Everywhere All at Once

Top Gun: Maverick

Elvis
Tár
The Banshees of Inisherin
The Fabelmans
Avatar: The Way of Water
All Quiet on the Western Front
Triangle of Sadness
Women Talking

Ganará: Everything Everywhere All at Once

Ha liderado las nominaciones y ha triunfado de manera muy sonora en toda la temporada, por lo que cuesta creer que ocurrirá otra cosa.

Debería ganar: The Fabelmans


Mejor dirección

Todd Field, Tár
Daniel Kwan y Daniel Scheinert, Everything Everywhere All at Once
Martin McDonagh , The Banshees of Inisherin
Ruben Ostlund, Triangle of Sadness
Steven Spielberg , The Fabelmans

Ganará: Steven Spielberg:

Si bien la dupla de los Daniel es la favorita, vamos a creer que el genio del cine moderno se irá a casa con alguna estatuilla, luego de una producción que derrocha historia, emociones y una mirada a cómo germinó la semilla del gran cineasta que ha sido Spielberg.
Debería ganar: Steven Spielberg


Mejor Actriz

Cate Blanchett, Tár
Michelle Yeoh, Everything Everywhere All at Once
Ana de Armas, Blonde
Andrea Riseborough, To Leslie
Michelle Williams, The Fabelmans

Ganará: Michelle Yeoh: 

Al parecer, la asiática va a pillar en la misma meta a quien ha sido favorita durante toda la temporada. Hay un hype desatado en torno a Michelle, en su primera nominación al Oscar por esta capacidad de navegar por los diversos géneros que plantea 'Everything Everywhere All at Once'.
Debería ganar: Cate Blanchett


Mejor Actor

Austin Butler, Elvis
Colin Farrell, The Banshees of Inisherin
Brendan Fraser, The Whale
Paul Mescal, Aftersun
Bill Nighy, Living

Ganará: Brendan Fraser:

Desde que The Whale se presentó en Venecia se sabía que el actor llegaría lejos en la temporada de premios, porque además encarna al típico papel que le gusta a Hollywood. Y también porque ha sumado puntos por una extraña campaña que lo ha retratado como ‘el regreso de Brendan Fraser’, cuando el actor no ha parado de hacer cine y televisión en la última década.
Debería ganar: Colin Farrell


Mejor Actriz de reparto

Angela Bassett, Black Panther: Wakanda Forever
Hong Chau, The Whale
Kerry Condon, The Banshees of Inisherin
Jamie Lee Curtis, Everything Everywhere All at Once
Stephanie Hsu, Everything Everywhere All at Once

Ganará: Jamie Lee Curtis:

Uno de los Oscar fijos, a pesar que Angela Bessett ganó el Globo de Oro y el Cristic’s Choice por una película malísima.
Debería ganar: Jamie Lee Curtis


 

Mejor Actor de reparto

Brendan Gleeson, The Banshees of Inisherin
Brian Tyree Henry, Causeway
Judd Hirsch, The Fabelmans
Barry Keoghan, The Banshees of Inisherin
Ke Huy Quan, Everything Everywhere All at Once

Ganará: Ke Huy Quan:

También un Oscar cantado para un actor que esperó por décadas una oportunidad como esta.
Debería ganar: Ke Huy Quan


Mejor película animada

Guillermo del Toro’s Pinocchio
Marcel the Shell With Shoes On
Puss in Boots: The Last Wish
The Sea Beast
Turning Red

Ganará: Guillermo del Toro’s Pinocchio:

Esta es una certeza más que una predicción. El espléndido y meticuloso trabajo de animación en Pinocchio, fue acompañado por una adaptación profunda y entrañable.

Debería ganar: Guillermo del Toro’s Pinocchio


Mejor fotografía

James Friend All Quiet on the Western Front
Darius Khondji Bardo, False Chronicle of a Handful of Truths
Mandy Walker, Elvis
Roger Deakins, Empire of Light
Florian Hoffmeister, Tár

Ganará: James Friend por All Quiet on the Western Front:

Todo ese naturalismo, el manejo de las ópticas, el uso mayoritario de la luz natural y el gran formato empleado para la épica, le permitieron a James Friends capturar la guerra desde una perspectiva atípica.
Debería ganar: James Friend por All Quiet on the Western Front


Mejor película internacional

All Quiet on the Western Front, Alemania
Argentina, 1985, Argentina
Close, Bélgica
EO, Polonia
The Quiet Girl, Irlanda

Ganará: All Quiet on the Western Front:

Uf, esta es una de las categorías más interesantes. 'All Quiet on the Western Front' ha hecho un recorrido exitoso entre los círculos de la industria como una nueva narrativa en el cine bélico.
Debería ganar: Argentina 1985 


Mejor diseño de producción

All Quiet on the Western Front
Avatar: The Way of Water
Babylon
Elvis
The Fabelmans

Ganará: Elvis:

Recrear el paso por la música de un genio como Elvis, le da puntos en esta categoría.
Debería ganar: Babylon


Mejor edición

The Banshees of Inisherin
Elvis
Everything Everywhere All at Once
Tár
Top Gun: Maverick

Ganará: Everything Everywhere All at Once:

Editar un multiverso ya le da puntos por sobre el resto, aunque las demás contendoras hacen un gran trabajo en este apartado.
Debería ganar: Top Gun: Maverick

 

Mejor documental

All That Breathes
All the Beauty and the Bloodshed
Fire of Love
A House Made of Splinters
Navalny

Ganará:  All That Breathes:

Es un documental compasivo, que dibuja algo de esperanza en una realidad devastadora. Además, pone en valor el buen hacer individual, frente al egoísmo.
Debería ganar: All the Beauty and the Bloodshed


Mejor canción original

Applause (Tell It like a Woman)
Hold My Hand (Top Gun: Maverick)
Lift Me Up (Black Panther: Wakanda Forever)
Naatu Naatu (RRR)
Time (Amsterdam)
This Is a Life (Everything Everywhere All at Once)

Ganará: Naatu Naatu:

RRR y su temazo es de lo más refrescante que le ha sucedido a esta explosión de cintas asiáticas en Norteamérica.
Debería ganar: Naatu Naatu


Mejor banda sonora

All Quiet on the Western Front
Babylon
The Banshees of Inisherin
Everything Everywhere All at Once
The Fabelmans

Ganará: The Fabelmans:

Sin Hildur Guðnadóttir en la papeleta, es John Williams podría ganar la estatuilla.
Debería ganar: Babylon


Mejor guión adaptado

All Quiet on the Western Front
Glass Onion: A Knives Out Mystery
Living
Top Gun: Maverick
Women Talking

Ganará: Women Talking:

La historia que Sarah Polley entrega en 'Women Talking' es necesaria, actual y contingente.
Debería ganar: Women Talking

Mejor guión original

The Banshees of Inisherin
Everything Everywhere All at Once
The Fabelmans
Tár
Triangle of Sadness

Ganará: Everything Everywhere All at Once:

Dados los resultados de la temporada, es 'Everything Everywhere All at Once' la que se ve como  favorita en esta categoría. Sin embargo, no perdamos de vista el maravilloso trabajo de Martin McDonagh.
Debería ganar: The Banshees of Inisherin