Cortos animados Oscar 2016: la opción de Chile

Además de la categoría de “mejor película animada”, los Oscar ya incluyen más trabajos abordados desde la brillante perspectiva de la animación. En pocos minutos, directores y animadores deben contar historias fascinantes, ya sean de tragedia, ciencia-ficción y fantasía.

El año pasado, la categoría la ganó “Feast”, de Disney, la que era la favorita y, para muchos, era mejor que varias de las películas nominadas en Película Animada.

Este año todo es especial para nosotros pues, por primera vez, Chile entra en la categoría con una hermosa propuesta que nos tiene muy pendientes, pues los comentarios hacia ella son muy positivos.

Estos son los cortometrajes animados que compiten por el Oscar 2016:

Bear Story

Bear Story es la responsable de gritarle al mundo que en Chile se está haciendo animación y de la buena. Es una historia maravillosa y muy conmovedora, en la que un oso anciano y nostálgico cuenta la historia de su vida (llena de aventuras) a través de un diorama mecánico. Cuando las junta descubre algo realmente intenso y emocionante. La crítica ha sido muy muy favorable. Fue dirigido por Gabriel Osorio Vargas.

Posibilidades: Buenas. La crítica no para de hablar de ella.

Prologue

Es la más reciente obra de Richard Williams, uno de los animadores más conocidos en la industria y que tiene una larga data en el tema, de hecho, trabajó en la recordada “Who Framed Roger Rabbit” de Disney. Este es un cortometraje de 6 minutos en el que guerreros de Esparta y Atenas se enfrentan en batalla. Hecha totalmente con fotogramas dibujados a carbón, logra destacar por su impactante estilo.

Posibilidades: Bajas. A pesar del nombre que está tras la historia su nombre queda por atrás en los análisis de los entendidos.

Sanjay’s Super Team

Este cortometraje, creado y dirigido por Sanjay Patel y producido por Disney Pixar, se basa en la vida como niño de su creador, en la que se imagina a los dioses de la India como superhéroes fantásticos.

Posibilidades:Altas. El tener el paraguas de Pixar le ha dado prensa, marketing y un sello que ya es identificable.

We can’t Live without Cosmos

Creado por el animador ruso Konstantin Bronzit, este corto se basa en la vida de dos amigos cosmonautas que día a día entrenan y se esfuerzan al máximo para cumplir su sueño de viajar al espacio, aunque hay una historia aún más importante detrás de estos viajeros espaciales. Estrenada el 2014, ambos amigos darán lo mejor de sí día a día para hacer su sueño realidad.

Posibilidades: Bajas: no es muy mencionada en los análisis de expertos.

World of Tomorrow

Hecho completamente con hombrecitos de palitos, tal como los hacíamos en los primeros años de colegio, World of Tomorrow cuenta la historia de una niña que lleva su vida a un viaje alucinante de su futuro lejano. Escrito, dirigido y producido por el cineasta Don Hertzfeldt, una de las cosas más interesantes de este corto es que Hertzfeldt grabó la voz de su sobrina (que entonces tenía cuatro años) mientras jugaba y luego editó estas grabaciones para añadirlas al corto, como una serie de diálogos espontáneos que calzan a la perfección con la historia que cuenta.

Posibilidades. La favorita de la categoría. Los análisis destacan la capacidad de armar la historia con diálogos aleatorios y la forma en que el guion conecta a la niña con sus futuros descendientes.

¡¡Mucho éxito al equipo de Bear Story!!

SOUNDTRACKS NOMINADOS AL OSCAR 2016

Debe ser tan difícil armar esta categoría, porque la música ya es parte fundamental de cualquier película, es un actor más, invisible, pero que desata la sensibilidad, los temores y le da tono, oscuridad y/o luminosidad a cualquier film. El año pasado la decisión fue aplaudida pues el premio se lo llevó Alexandre Desplat para la magnífica BSO de “El Gran Hotel Budapest”.

Acá hacemos un análisis de los soundtracks que van por la estatuilla 2016; al parecer están los que deben estar y eso ya es muy bueno.

Thomas Newman – “Bridge Of Spies”

 https://youtu.be/UY-ajsCr6sg

Steven Spielberg decidió, por primera vez en años, no trabajar con John Williams para su película “Bridge of Spies”. Escogió a Thomas Newman, quien ya ha demostrado su valía a través de la música para “007:Skyfall”, “007:Spectre” y tantas más, saliendo siempre bien parado. La BSO para esta película es inspiradora y acompaña en todo momento la trama, con la carga emotiva justa y precisa.

En 1995 fueron nominadas sus bandas sonoras para “The Shawshank Redemption” y “Little Women” y, en 2009, estuvo en competencia tanto en Banda Sonora como en Canción Original por “Wall-E”. La última vez que aspiró a un Oscar fue por el soundtrack de “Saving Mr. Banks”. Otras nominaciones suyas incluyen su partitura para “Belleza Americana”, “Camino a la Perdición” y “Buscando a Nemo”. Nunca ha ganado la estatuilla.

Posibilidades: Bajas. A pesar de tener 13 nominaciones previas, el panorama para este Oscar se ve concentrado en otras propuestas. Si La Academia quisiera virar por la tangente y no comprometerse con ninguno de los dos grandes de la música que van en esta nómina, Newman es una opción para tener en cuenta.

Carter Burwell – “Carol”

https://youtu.be/v162MTr_RPM

En esta ocasión muestra una partitura sencilla, inspirada en la música de los años ´50, época en la que se ambienta la película. Es correcta pero insuficiente para aspirar al premio. A pesar de contar con una extensa lista de música, como en “True Grit”, “Where The Wild Things Are”, “Fargo”, “Being John Malkovich” entre otras, esta es su primera nominación al Oscar. Cabe considerar que también fue el creador de la banda sonora para “Anomalisa”, ignorada en la categoría.

Posibilidades: Bajas. El no haber conseguido mayores premios le juega en contra. Y el que la película, en general, haya recibido pocas nominaciones casi lo sepulta.

Ennio Morricone – “The Hateful Eight”

https://youtu.be/HhsXy-f2Q0U

Hablar de bandas sonoras es hablar de Ennio Morricone. Pionero y baluarte. Es el autor de la música para los mejores westerns por antonomasia. Le pertenecen “Por Un Puñado De Dólares”, “La Muerte Tenía Un Precio”, “El Bueno, El Malo y El Feo” y “La Misión”. En esta ocasión regresa al escenario con el western de Quentin Tarantino y aunque suene increíble, tras haber compuesto más de medio millar de bandas sonoras, esta es tan solo su sexta nominación desde 1979 y su regreso a la categoría después de 15 años. Lo han nominado por “Days of Heaven”, “La Misión”, “Los Intocables”, “Bugsy” y “Malena”. Nunca ha ganado compitiendo; en 2007 se reconoció su tremendo aporte con un Oscar Honorifico.

Posibilidades: El favorito absoluto. Este debe ser el premio más seguro de la ceremonia y ya esperamos los aplausos de pie, justos y merecidos, por toda una vida de música protagonista para el cine.

Jóhann Johánnsson – “Sicario”

https://youtu.be/Hdm5EkaPdeY

La dureza visual de esta excelente e ignorada película es perfectamente acompañada por acordes nerviosos e histriónicos. Es la segunda vez que el autor es candidato, pues el año pasado fue nominado por la BSO para “La Teoría Del Todo”.  

Posibilidades: Bajas. De hecho, ya es gran mérito el estar en la papeleta por segunda vez en dos años. Que siga haciendo buena música.

John Williams – “Star Wars: The Force Awakens”

https://youtu.be/cUBUlKgsNK8

Williams debe ser el compositor más conocido en la industria. Es asiduo en este tipo de ceremonias y La Academia ya ha reconocido su talento en cinco ocasiones: “El Violinista en el Tejado” (1971); “Tiburón” (1975); “Star Wars” (1977); “E.T El Extraterrestre” (1982) y “La Lista De Schindler” (1993).

Vinculado principalmente a los films de Steven Spielberg, sus temas en películas como “Encuentros Cercanos”, “Indiana Jones”, “Superman”, “Jurassic Park”, “Star Wars”, “Rescatando al Soldado Ryan”, “Inteligencia Artificial”, “Atrápame si Puedes”, “Munich”, “Lincoln” y tantas más, suenan en la mente de todos. Precisamente por esto fue llamado por Disney para componer, una vez más, los acordes de la mítica saga: “Star Wars VII: The Force Awakens”, la que está bien pero no sobresaliente. Acertó al combinar lo clásico con lo nuevo, por esto es que la nominación es merecida, aunque se escuche una partitura inferior dentro de su impresionante discografía. A sus 84 años, Williams aspira a su sexto Oscar en una carrera gloriosa, de casi 50 nominaciones al premio, convirtiéndose en la segunda persona más nominada luego de Walt Disney.

Posibilidades: Podría ser. A pesar de su trayectoria, esta propuesta para “Star Wars” ha sido bastante ignorada en la temporada. Un triunfo se vería más bien como un reconocimiento a su talento más que por la BSO en sí. Ojalá ya esté trabajando en lo que viene: la música para los episodios XIII y XIV.

Deadpool: la bestia más graciosa del verano

Cuando ya no nos pueden ofrecer más alternativas relativas a los superhéroes, aparece uno distinto y muy singular. Fox logró desmarcarse, en el caso de “Deadpool”, de Warner y Disney con una promoción fresca y estimulante para una cinta que casi no se hace (pero cuya secuela ya tiene luz verde). 

Sin ninguna expectativa más que ver al bicho raro de turno en una tarde de verano, nos enfrentamos a “Deadpool” y me queda claro el porqué de su enorme éxito;es un film brutalmente divertido, que sabe aprovechar los puntos fuertes de un sorprendente Ryan Reynolds.

“Deadpool” se revela como una burla. A ratos es bien obscena y sucia, pero se alza como lo más divertido que hemos visto dentro de este mundillo llamado superhéroes. Si usted soltó una sola risa con “Green Lentern”, por ejemplo, le aviso que “Deadpool” está varios escalones más arriba en ingenio y locuacidad. 

La gran ventaja con la que contaba ‘Deadpool’ sobre el resto de superhéroes marcadamente comerciales, es que Fox aceptó dar libertad a sus responsables para obtener la calificación R en Estados Unidos (para mayores de 18 años) pero a cambio les permite ser mucho más provocativos. No son pocas las películas que han desaprovechado esto, pero en “Deadpool” apostaron por llevarlo al límite. El resultado es una avalancha de bromas, bastante violencia sin suavizante para los más cautos. No voy a contar la historia pero sí es muy atractivo que este superhéroe sea un terremoto locuaz, casi no respira, por lo que hay avalancha de chistes sobre los “huevos” y otras partes (aunque no todos funcionan). Algunos son muy divertidos -sobre todo los relacionados con la ruptura de la cuarta pared-, otros son muy ocurrentes y la mayoría son divertidos.

¿Quiénes serían los héroes de esta propuesta? son Rhet Reese y Paul Wernick, ya que su guion resulta esencial para establecer el tono necesario para que este festival de excesos sea recibido con beneplácito y no como una simple olla de grillos más o menos simpática. No hay que restarle mérito a Tim Miller, ya que demuestra una pericia notable para sacar partido a su ajustado presupuesto ( 58 millones) en el diseño de producción.

¿Dónde radica la frescura del film? En la entrega de Ryan Reynolds.

Con este “Deadpool” hasta nos olvidamos de la horrible “X-Men Origins: Wolverine” porque encontró el personaje perfecto para sacar a lucir su carisma, el que muchos pensaban que ya se había ido. Él es quien lleva todo el peso, quien consigue mejorar los chistes. Además, se percibe el entusiasmo del actor por el lado políticamente incorrecto de “Deadpool”, haciendo justicia a una estupenda campaña promocional, fresca y rutilante, en lugar de esforzarse en una más bien ridícula, para luego darnos un espanto de película, como sucedió con “Zoolander”.

Como film veraniego, juguetón y poco serio, podemos decir que “Deadpool” trastoca la fórmula típica, añadiendo diversión muy adulta. Es una película de superhéroes pero dirigida a los malillos de la clase, a esos que se sientan en el último asiento de la sala y le lanzan bolas de papel a los mateos del curso.

Leonardo DiCaprio en sus mejores roles

Carismático, ecologista y bueno para los discursos, donde llama la atención y no queda bien con nadie, además de continuar soltero y con un halo de misterio que lo envuelve, desde que explotó al mundo como el pobre Jack Dawson de "Titanic”.Pero antes de esa magnánima experiencia, él ya había escrito una historia la que, a partir de 1997, hace que su nombre brille por sí solo.

Mucho ya he escrito sobre él como actor y puede leerlo acá.


Pero dentro de su carrera, que partió a los 13 años y que ya cuenta con más de 35 películas en el cuerpo, hay geniales actuaciones que La Academia despreció antes de "The Revenant". Acá mi listado (orden estrictamente personal) de los mejores roles de Leo:




10."This boy’s life"

Si hay algo genial en esta película es Leonardo DiCaprio. Me atrevo a decir que está muchísimo mejor que Robert De Niro y que actúa con más convicción. Su cara de ángel se mezcla con registros de drama, expresando emociones sólo con la mirada. Es increíble que tuviese solamente 16 años, porque su rostro aniñado pasa de la insolencia a la inocencia en apenas un instante. La sofisticación natural de su interpretación sirvió de soporte a un film que trata sobre los sentimientos tácitos y los deseos inconfesables. Por esta interpretación ganó el premio "Nueva Generación" de la Asociación de Críticos Cinematográficos de Los Ángeles. Ya algo intuían ellos.

9.”Revolutionary Road”

DiCaprio borda un personaje realmente complicado como un pobre hombre que debe caer bien a pesar de todo lo que provoca, y es perfecto a la hora de reflejar las contradicciones en las que caen los Wheeler; su trabajo es espléndido en los pasajes más complicados de la película, tanto en los que gritan a viva voz como en los que se mantienen silenciosos.

8.”Gangs of New York”

Efectivo trabajo, dentro del escaso trazado de los personajes dentro del guión. Amsterdan Vallon podría haber sido un simple ídolo juvenil, pero el actor se las arregló para darle a su personaje un objetivo, un mandato, el que se refleja en esa magnífica voz en off y que se declara en esa soberbia escena en la que tira la Biblia desde el puente, hecho que simboliza su caída al infierno. Amsterdam logró entrar por la puerta grande en la vida del Carnicero, quien lo acogió en su manto protector permitiéndole urdir la traición. No es fácil danzar junto a Daniel Day Lewis y salir victorioso.

7.”Diario de un rebelde”

Belleza de la juventud primero y el pozo de la heroína después. DiCaprio compone uno de sus mejores roles (increíble la escena donde suplica a la madre desde el otro lado de la puerta). Muy buena película, con una historia intensa y dura. A Leo no le fue difícil meterse en la piel del afamado escritor que interpretó, porque esa realidad le fue siempre conocida, sin embargo, su juventud e inexperiencia en papeles duros podría haberlo hecho caer en la exageración y ahí está lo perdurable de su trabajo.

6.”Los infiltrados”

Otro rol que lo enfrentó a territorios ya explorados en el pasado. Su personaje estaba sujeto a su imagen de seminiño, lo que le proporcionó la vulnerabilidad adecuada a la historia , desarrollada dentro de un ambiente de crueles gángsters. A lo largo del film el personaje va creciendo en capas y muestra trazas tanto sutiles como intensas, manteniendo el tipo y el control gestual; frente a Jack Nicholson tiene escenas geniales, como aquella conversación en el bar donde le cuentan que en el equipo hay una rata (muy divertido ese frente a frente). El hecho de descubrir a la rata, de enfrentarla a solas en el techo de un viejo edificio y el ajusticiamiento final lo dejan como un héroe, dentro de un auténtico festival de personajes diabólicos y amorales.

5.”El lobo de Wall Street”

Quinta colaboración con Martin Scorsese. Una película de ritmo endiablado y completamente desquiciada. Una delicia, una reiteración de lo salvaje, donde está el mejor Scorsese detrás de cámara y el Leonardo DiCaprio más brutal delante de ella. Como actor, ofreció todos los matices necesarios para hacer creíble a su personaje. Son pocos los actores dotados de un talento similar. Hay mejores actores y hay estrellas más carismáticas, pero DiCaprio tiene madera de ambas y eso lo hace único, como lo evidencia en esta película.

4. “Diamante de Sangre”

Película sobre el tráfico de diamantes africanos, rodada al estilo de la vieja escuela y en la que Leonardo construyó un personaje clásico. Este thriller gustó mucho en 2006 llevándose cinco nominaciones al Oscar, Mejor Actor entre ellas... Sin embargo fue Forest Whitaker quien se llevó la estatuilla por “El último Rey de Escocia”. DiCaprio trabajó duramente para perfeccionar el acento de su personaje, comentando en una entrevista a E-Weekly que “al leer el guión por primera vez me di cuenta que necesitaría una cantidad tremenda de investigación personal para desarrollarlo. Esa fue una de las cosas que me atrajo para aceptar el rol. Para todos nosotros, era imperativo sumergirnos en este mundo y escuchar por nosotros mismos lo que allí había pasado. Mi personaje en especial provenía de lo que era Rhodesia (ahora Zimbabwe). Por eso era especialmente importante que escuchara hablar a la gente originaria de allí”.

3. “¿A quién ama Gilbert Grape?”

Leo nos sorprendió a todos con una interpretación honesta y muy realista de un niño con discapacidad. El actor realizó un trabajo equilibrado y emocionante, robándole todo el protagonismo a Johnny Depp. Fue nominado a Mejor Actor de Reparto en 1993, pero se lo llevó Tommy Lee Jones por “El Fugitivo”, en una de las decisiones más controvertidas de ese año. La sola actuación de Leo era motivo suficiente para ver el film y aunque no obtuvo el premio más codiciado, se pudo consolar con el premio "Most Promising Actor" de la Asociación de Críticos de Chicago y dos nominaciones, ese mismo año, como Best Actor in a Supporting Role (una para los Oscar y la otra para el Golden Globe).

2. “Django Unchained”

En este film de Tarantino, nos sorprendió como la viva encarnación del demonio, disfrazado de esclavista y saliéndose de todos los esquemas de sus anteriores personajes. Con esta actuación, DiCaprio ganó el premio al Mejor Actor Secundario en la National Board of Review, por lo que todos creímos que el Oscar podría estar cerca. Como el malvado e insensible Calvin Candie, la película da un giro cuando DiCaprio entra en escena y parte de la luz, que se enfocaba completamente en Christoph Waltz, se desvió al popular actor. DiCaprio ofreció una interpretación memorable en su rol de villano, con la fuerza y el dramatismo que acostumbra y aderezado, además, con un acento sureño que le sentó muy bien.

1. “El aviador”

Fue su segunda colaboración con Martin Scorsese después de “Gangs of New York”. DiCaprio interpretaba al excéntrico Howard Hughes con un trabajo de construcción bastante autodestructivo, tan apasionado y vibrante como lo era su personaje. Para preparar el papel, tuvo que hacer un estudio psicológico de un hombre poderoso arrastrado hacia la tragedia, principalmente por su desequilibro mental, lo que está subrayado a lo largo de todo el metraje por Scorsese. Los hechos biográficos puntuales y las características del personaje sometieron a Leo a cambios de tono de voz, de gestos, al aprender más sobre el fanatismo enfermizo por la limpieza y la desconfianza destructiva hacia los demás; sin mencionar que, físicamente, el personaje también puso a prueba al actor, obligándolo a una baja excesiva de peso y a la preparación de difíciles escenas, como la del avión que se estrelló en Beverly Hills. Estuvo nominado a Mejor Actor en 2004 pero lo ganó Jamie Foxx por “Ray".

¿Crees que The Revenant es su mejor actuación?

Vinyl….HBO y su apuesta por la música!

 Este 14 de febrero, HBO se vuelca a los gloriosos años 70. Dice la historia que no todo fue amor y paz en el Nueva York de 1973: también había drogas, mafia, violencia, racismo y una feroz competencia por adueñarse del nuevo escenario musical. Este es el pilar de "Vinyl", la nueva serie de HBO.

Richie Finestra (Bobby Cannavale) es un ejecutivo de una disquera que trata de revivir a su compañía mientras lidia con sus adicciones. En toda esta locura lo acompañarán Olivia Wilde (como su esposa y quien está viviendo la liberación femenina) y Ray Romano (como Zak, el mejor amigo de Richie).

La serie es co producida por Mick Jagger y Martin Scorsese!!, quien también dirigió el piloto. En su creación participó Terence Winter, el escritor de “Los Soprano” y “El Lobo de Walt Street” (nominado al Oscar en esa categoría).

De lo mucho que hemos leído, acá van 10 razones para NO perdérsela.

1. Cada episodio será como una mini película. El piloto dura casi dos horas y pasará de todo…de todo.

2. Martin Scorsese dirigió el piloto, por tanto, si eres fan de su estilo, reconocerás de inmediato su sello.

3. No es sólo música disco. También oiremos funk, blues y hip hop.

4. Para quienes visitaron Nueva York en esa época, se promete un reflejo perfecto de la ciudad, llena de glamour pero también llena de drogas y libertinaje.

5. La serie pretende enfocarse en el lado oscuro de la escena musical y de la lucha implacable por alcanzar el éxito. La serie mencionará a David Bowie, Andy Warhol, Led Zeppellin y varios emblemas de la época, sin que sepamos, todavía, en qué contexto lo harán.

6. No es una serie para el fan de la música. También habrá drama, humor, y un narrador poco ortodoxo.

7. El soundtrack: viene cargado de temas conocidos, pero también con harta música hecha exclusivamente para la serie.

8. Porque Jagger y Scorsese se conocen y son amigos justamente porque el director es un completo fanático del rock (y de los Stones en particular).

9. Porque HBO puede seguir consolidando una rica y variada parrilla temática.

10. Porque Scorsese dirigió el documental “Shine a Light” acerca de los Rolling Stones y como, en nuestra opinión, quedó debiendo...acá tiene una oportunidad de reivindicarse.

¿y Netflix?

Apenas supo de este proyecto, Netflix quiso ponerse a la par y también estrenará su propia serie referente al mundo de la música. También se ambientará en los ‘70, pero centrará la acción en el mundo callejero. “The Get Down” mostrará el nacimiento del hip hop, la música disco y el punk en la ciudad de Nueva York y será dirigida nada menos que por Baz Lurhmann (“Moulin Rouge”, “El Gran Gatsby”). El guionista será Shawn Ryan (“The Shield”).
Luhrmann ya se comprometió a dirigir los dos primeros episodios y el final de la temporada. La serie contará con 13 capítulos y todavía no tiene fecha de estreno oficial.

El gigante del streaming sale, nuevamente, a ser la pulga en la oreja para HBO. Tendremos que comparar ambas producciones, inevitablemente, asiesque te dejo, mientras esperamos su estreno, con su comentado trailer.

Berlín, segunda gran parada del cine

Tras el fin de Sundance, fiesta que busca reunir al cine indie y ser un gran encuentro para los creadores de cortos y documentales, se viene el Festival de cine de Berlín, una de las citas del género más importantes del mundo. Del 11 al 26 de febrero tendremos noticias de los 18 films que van en la competencia por el Oso de Oro que el año pasado se llevó Jafar Panahi con 'Taxi'. Nuevamente habrá participación chilena, y como últimamente nos hemos traído premios de relevancia desde Berlín, vaya toda la energía para que este año no sea la excepción.

'Hail, Cesar!', la comedia de los hermanos Coen, inaugurará el certamen el próximo 11 de febrero. Mientras los directores de los films que van por el Oso de Oro ya están dando entrevistas y preparándose para este evento relevante del cine.

La prensa europea ya hace algunas conjeturas sobre los nombres que llegan con más posibilidades. Destacan a la directora francesa Mia Hansen-Løve ('Eden') la que concursará con su quinto largometraje,'L'Avenir', coproducción francoalemana protagonizada por Isabelle Huppert. Otra coproducción francesa, será 'Mort à Sarajevo' de Denis Tanovic, premiado en Berlín con su anterior largometraje: 'La mujer del chatarrero'. El cine galo estará también representado por el veterano André Téchiné ('Los ladrones') que presentará su último film: 'Quand on a 17 ans'. Irán tratará de revalidar el éxito de 2015 con 'A Dragon Arrives!', del actor, director y guionista Mani Haghighi. Otro de los nombres muy destacados por la prensa será el del danés Thomas Vinterberg ('Celebración'), que regresa al certamen seis años después de 'Submarino' con su última película: 'The Commune', film ambientado en los '70. 'United States of Love', del polaco Tomasz Wasilewski ('Floating Skyscrapers');'Cartas da guerra', del portugués Ivo M. Ferreira; y 'Fuocoammare', del italiano Gianfranco Rossi (ganador del León de Oro de Venecia en 2013 con 'Sacro GRA') son lo más destacado dentro de un festival con fuerte presencia europea. Y el filipino Lav Diaz intentará repetir el éxito de su anterior película, 'From What is Before' de hace un par de años, con su último film: 'A Lullaby to the Sorrowful Mystery'.

'Midnight Especial', de Jeff Nichols

'Boris sans Béatrice', de Denis Coté

'Alone in Berlin', de Vincent Perez

'Zero Days',de Alex Gibney

'Genius', de Michael Grandage.

'Chi-raq', de Spike Lee y uno de los nombres rimbombantes de esta edición.

son otros nombres a considerar dentro del programa, el que puedes revisar en detalle aquí

Participación chilena

Nuestro país siempre es bien tratado por Berlín. El año pasado el cine nacional obtuvo dos Osos de Plata, y anteriormente había sido premiada "Gloria" como Mejor Actriz; en esta edición nuestros realizadores competirán en las secciones "Panorama" y "Generation".


Alejandro Fernández Almendras, que ganó un premio en Sundance el 2014 con la película "Matar a un hombre", estará compitiendo con "Aquí no ha pasado nada", recientemente estrenado en Sundance. También en la sección Panorama, estará el director Alex Anwandter con "Nunca vas estar solo", ópera prima que ya obtuvo 2 premios a la postproducción en el Festival de Guadalajara (México).

Por su parte, en la sección Generation han sido seleccionados dos ópera primas: "Rara" de Pepa San Martín y "Las plantas" de Roberto Doveris (ganador del Epicentre Film Award y seleccionado BAL goes to Cannes). Lo interesante de estas propuestas es que tres de ellas se inspiradas en hechos reales, detalle que empieza a ser sello de los proyectos nacionales.

El mayor de los éxitos a estos jóvenes realizadores que van a Berlín, cuya Jurado para la Competencia Oficial será presidido este año por Meryl Streep, quien por primera vez, y a pesar de su dilatada carrera, forma parte de un jurado en un festival de cine. Con tres Oscar a su haber y 19 nominaciones, Meryl Streep es, sin duda, una de las mejores actrices actualmente; la organización de la Berlinale la considera como una de las "más creativas y multifacéticas artistas cinematográficas" y ya le dieron, el 2012, el Oso de Oro honorífico, nueve años después de recibir el Oso de Plata a la mejor interpretación femenina, compartido con Julianne Moore y Nicole Kidman, por 'Las Horas', de Stephen Daldry.

Mientras esperamos tener noticias ya de las exhibiciones, les recordamos a los ganadores de la Berlinale 2015:



Oso de Oro: 'Taxi' de Jafar Panahi

Oso de plata. Gran premio del jurado: 'El club' de Pablo Larraín

Oso de plata Alfred Bauer: 'Ixcanul' de Jayro Bustamante

Oso de plata. Mejor dirección: Ex aequo para Radu Jude por 'Aferim!' y Malgorzata Szumowska por 'Body'



Oso de plata. Mejor actor: Tom Courtenay por '45 years'


Oso de plata. Mejor actriz: Charlotte Rampling por '45 years'

Oso de plata. Mejor guión: 'El botón de nácar' de Patricio Guzmán

“Son of Saul”: con otros “ojos”

Hemos visto y leído tanto del Holocausto que, al parecer, ya nada nos sorprende. Pero en esta cinta, candidata con primera opción al Oscar a Mejor Película Extranjera, se innova en el lenguaje, tanto oral como cinematográfico, para plasmar una de las tragedias humanas más terribles de la historia moderna.

Desde el primer cuadro el director húngaro László Nemes nos señala que su película es un thriller. El malogrado protagonista se nos presenta en un primer plano poco favorecedor, con la cara sucia y su ropa hecha tiras, retrato perfecto de su condición de prisionero sometido a un trato inhumano. Poco a poco se revela que el ex cerrajero Saúl Auslander (Geza Röhrig) se propondrá encontrar a su hijo en ese infierno; también, desde el primer minuto, el espectador es situado en un escenario lúgubre, de caos físico y gritos de desesperación propios de Auschwitz, haciendo alusión a una sensación aterradora, pero manteniendo la acción siempre en los hombros del enigmático protagonista. La cámara se queda ahí, a centímetros del rostro de Saúl, por espacio de dos horas. Este es un ejercicio cinematográfico “remodelador” del drama del Holocausto, que reaviva el dolor a través de la sensación fría, sin ser explícita. "Son of Saul” es aterradora pero demasiado atrapante para que puedas apartar tu mirada de esas escenas y de los “ojos” del protagonista.

La capacidad de Nemes para inyectar viveza a la historia de supervivencia del campo de concentración, que a estas alturas está llena de clichés, se refuerza en una nueva energía cinematográfica propia de un director debutante. Él se apoyó, para esta hazaña, en el formato 35mm que contiene la acción como si ésta estuviera desarrollándose dentro de una caja, lo que lleva a la percepción de estar atrapado en ese mundo infernal. Mientras "La lista de Schindler" se enfrentó a un montón de críticas por su escena en la que los presos “pastoreaban” en una cámara de gas, "Son of Saul" no ofrece tal respiro. La cámara se detiene en el rostro de Saúl, le hace guardia; igual se escuchan los golpes violentos y los gritos de las víctimas moribundas al otro lado de la pared, pero es su rostro, su gestualidad o su in-expresión, la que sugiere todo lo que está pasando; a través de su mirada sentimos que él ya ha pasado por ese procedimiento desgarrador en innumerables ocasiones y eso se transmite al espectador, aunque no se vea lo que está ocurriendo.

La fotografía es lúgubre y oscura y el campamento tiene las dimensiones de una zona de guerra sin aliento, efecto realzado por una técnica de cámara que ya vimos en "Children of Men" y que se caracteriza por la forma en que nos adentra en los acontecimientos, pero en este caso todo lo fundamentan las experiencias de un sólo hombre, siempre con los ojos abiertos. La delgada apariencia de Röhrig, que a veces hasta se mueve como un robot, y la falta de contexto previo sobre su historia de fondo a veces dificulta la capacidad de empatizar totalmente con su objetivo pero, aún así, Nemes va dando al espectador muchos consejos a lo largo de la película sobre quién es y qué piensa el protagonista, aunque el ritmo es tan acelerado que, en verdad, perdemos el interés por saber cuáles son sus reales motivos. De principio a fin, Saúl nunca se toma un descanso, por el bien de la película, siempre debemos estar pendientes de él.

Igualmente hay escenas desgarradoras, como aquella en que hace contacto con su esposa, en la sección de mujeres, y vemos un enfrentamiento doloroso entre la pareja separada, el que se desarrolla, exclusivamente, a través del contacto con los ojos. El diretor evita cualquier interrupción extensa porque, afortunadamente, la calidad visceral de las actuaciones es suficiente y no hay necesidad de adornos. Al igual que el documental de Claude Lanzmann, "Shoah", Nemes se resiste a “sentimentalizar” el material, pero sí da pistas para explicar la confusión psicológica de sus personajes y ayuda al espectador a formarse su opinión e ir más allá del horror del contexto.

"Son of Saul" tiene una naturaleza devastadora por los eventos que conforman la trama, pero se resiste a exagerar. A pesar del contexto, Nemes destapa un halo de optimismo en este acto de perseverar contra viento y marea. Obra de gran factura, poco vista en estos tiempos, contada con frialdad, la que nos interpela a través de una cámara reflexiva. Otro lenguaje, otra sensación.