Ganadores de Cannes 2016: ¿Quién es quién?

Terminó otro Cannes con un palmarés sin sorpresas, para la prensa acreditada, debido a su injusticia. Al parecer hubo muchas joyas que no obtuvieron galardón, mientras que los ganadores ya eran viejos conocidos. Recopilamos, durante estos 12 días, los puntos altos de las películas premiadas en Cannes 2016:

I, Daniel Blake (Palma de Oro)

“Otra película sobre un pequeño héroe de la clase trabajadora y sobre una madre soltera con niños en condiciones vulnerables. Otra mirada a la falta de trabajo, la burocracia estatal y la insensibilidad del poder. Los críticos más cínicos y radicales se burlan de Loach. Yo vi gente llorando a mares a mi alrededor en la sala. ¿Qué es demasiado obvio? ¿Qué se repite? ¿Qué el final es una bajada de línea cercana al golpe bajo? Puede ser, pero el viejo Ken -consecuente y lúcido como es- sigue diciendo (mostrando) conflictos que muchos europeos no quieren ver. Sus personajes son nobles y queribles, sencillos y bienintencionados. A algunos les puede molestar cierta demagogia y simplificación de la propuesta, pero “I, Daniel Blake” funciona bien sobre caminos previsibles.” Diego Battle, OtrosCines.com

“No se necesita mucho tiempo para establecer el enfoque de la película. Un viudo de 59 años, Daniel Blake (Dave Johns) se recupera de un ataque al corazón y busca ayuda financiera del estado. A través de los créditos de apertura, Daniel hace frente a una serie de preguntas estúpidas de un empleado burócrata, al tiempo que se encuentra con la joven madre soltera Katie (Hayley Squires), una mujer sin trabajo, sombría, que lucha para cuidar a sus dos hijos. Si bien no hay nada innovador en este escenario, la inmersión constante de Loach en los detalles de la burocracia del bienestar desarrollan una fuente única de intriga. Es un típico protagonista de Loach, impulsado al activismo como último recurso.” Indiewire.com

Just la fin du monde, Xavier Dolan (Gran Premio del Jurado)

“Dolan ha mostrado una notable inclinación por los métodos de narración innovadores, tiene mucha ambición estilística y grandes momentos, casi de ópera. Incluso cuando sus películas tropiezan, a través de tonos irregulares o erráticos giros de la trama, Dolan siempre saca a la luz el tema de sus caracteres con ira, pasión, con una actitud chisporroteante”.Indiewire.com 

“En "Es sólo el fin del mundo", Dolan reduce los ingredientes de sus variables más simples, y deja como lección de que él es un maestro de su propio dominio, pero sus pies son menos estables cuando explora otro césped”. BlogdeCine.com

The Salesman, de Asghar Farhadi (Mejor Guion y Actor)

“El director de “La separación” (Oso de Oro en Berlín 2011) y de “El pasado” (Mejor actriz para Bérénice Bejo en Cannes 2013) volvió a Irán para rodar la historia de una pareja de actores que debe abandonar su departamento por las grietas que amenazan con derrumbar el edificio. Ambos se instalan, provisoriamente, en una nueva casa mientras ensayan para el estreno de una obra de teatro. Un día ella deja abierta la puerta del hogar pensando que es su marido el que ha tocado el timbre y está subiendo, pero es atacada por un desconocido mientras se ducha. El protagonista se obsesiona con investigar el caso hasta las últimas consecuencias. “The Salesman” no llega al extraordinario nivel de “About Elly” y “La separación”, pero es un regreso a la solidez, la profundidad y la inteligencia de Farhadi”. Diego Battle, OtrosCines.com

Bacalaureat (Graduation), de Cristian Mungiu (Mejor Director)

“Premiado ya dos veces en Cannes por 4 meses, 3 semanas, 2 días (ganadora de la Palma de Oro en 2007) y Más allá de las colinas (Mejor Guión y Actriz en 2012), el director rumano describe las desventuras de un médico en crisis con su esposa que está obsesionado con que su hija apruebe los últimos exámenes y pueda aprovechar así una beca para estudiar en Londres (reniega de la sociedad de su país). Pero, al mejor estilo Después de hora, de Martin Scorsese, todo empezará a salirle mal a él y a sus seres queridos...Graduation tiene una solidez narrativa y actoral que, a esta altur,a no sorprende en el marco del nuevo cine rumano, pero la acumulación de infortunios y miserias personales parece desmedida en el escaso tiempo en el que transcurre la historia”. Diego Battle, OtrosCines.com

Ma'Rosa, de Brillante Mendoza (Mejor Actriz)

“Brillante Mendoza es, sin dudas, un director valioso, con una mirada propia y, sobre todo, con un estilo personal que consiste en seguir muy de cerca a sus personajes por las angostas, ruidosas y atestadas calles de los barrios populares…. La descripción es, por supuesto, sórdida y presenta un estado de las cosas desolador sobre la Filipinas de hoy. Todo es decadente, violento, patético, cruel, amoral. Feos, sucios y malos. Más (o diría menos) de lo mismo. En mi caso, hasta que no busque nuevos rumbos, mi fascinación por Brillante Mendoza ya es cosa del pasado”. Diego Battle, OtrosCines.com

Personal Shopper, de Olivier Assayas (Mejor Director)
"Marca el primer paso en la arena de terror por parte de su director. Sin embargo, esta es la idea de un cinéfilo sobre una película de terror. El trabajo de cámara es lento y quita tensión, mientras que las extrañas circunstancias tienen menos que ver con los procesos internos. A partir de su secuencia de apertura, está claro que "Personal Shopper" apunta a un enfoque experimental". Variety

American Honey, Andrea Arnold (Premio del Jurado)

"Se trata de una road-movie. El personaje central se suma a un grupo de adolescentes que recorre distintas ciudades vendiendo suscripciones de revistas. Mientras viajan en camioneta, paran en moteles y se cruzan con los más patéticos personajes, descubren el sexo, las drogas, la música (el soundtrack es notable) y los excesos de todo tipo. "American Honey" completa el esfuerzo con su retrato en expansión de jóvenes marginados. Es lo más parecido a una obra magna en la floreciente carrera de Arnold". Variety

Las grandes perdedoras:

-"Toni Erdmann" (Alemania), de Maren Ade. La prensa le había dado 4 de 5 estrellas

-"Paterson" (EE.UU.), de Jim Jarmusch con 4 estrellas 1/2

-"Julieta" (España), de Pedro Almodóvar con 3 estrellas 1/2

-"Aquarius" (Brasil), de Kleber Mendonça Filho con 4 estrellas 1/2

-"Elle" (Francia-Holanda), de Paul Verhoeven con 4 estrellas 1/2

Palmas de Oro de Cannes: las inolvidables

Este es un premio que se desea y que ha permitido el nacimiento de obras que han influenciado a generaciones, aunque también ha habido, como en todo, ganadores de no tan alta estirpe. Pero el prestigio no es gratuito y la Palma de Oro de Cannes se sustenta en muchísimas cintas que, a través de las décadas, han derramado calidad artística, dirección y actuaciones inolvidables. De Cannes han nacido muchos puntos de inflexión para el cine. Acá revisamos sólo algunas de ellas.

Brief Encounter (1946)
En una de las entrevistas que dio Tood Haynes, por su film "Carol", dejó en evidencia el homenaje que quería hacer a una película que fue favorita cuando compitió en el "Gran Premio del Festival Internacional de Cine". Una gran historia de amor que persiste como un romance clásico, el que sólo es realidad cuando los protagonistas tienen una  serie de reuniones secretas porque pertenecen a distintas castas intelectuales y porque tienen matrimonios con otras personas. Hermosa fotografía de Robert Krasker, quien acentúa las sombras en las citas secretas y destaca a Laura y Alec bañados por suaves rayos de sol.

La Dolce Vita (1960)
Roma nunca fue tan mágica y solitaria. Fellini, asociado con un brutal Marcello Mastroianni en el rol de un periodista de celebridades que se pasa siete noches entrando y saliendo de la cúpula de la alta sociedad romana. Fellini captura la seducción y el glamour en un film que es tan respetado por los actores y adorado por los directores; la película cimentó las carreras de director y actor y es un inolvidable al referirse a la Palma de Oro. 

The Umbrellas of Cherbourg (1964) 
Extraordinaria es poco. Deslumbrante, se acerca. Enteramente cantada, ofrece una extraordinaria actuación de Catherine Deneuve. La película se construyó haciendo una conjunción de formatos que dejó atónito a Cannes. En su esencia, "Cherbourg" es un musical muy colorido (los trajes de Jacqueline Moreau son maravillosos), y la riqueza de su historia se inclina más hacia las emociones fuertes del teatro europeo más que el alarde publicitario de sus elementos visuales. La película trata de dos personas que se enamoran pero que están forzadas a separarse. Esta tensión de mostrar una estética brillante versus el dolor, fue una experiencia única para su época. Los musicales fueron otra cosa tras esta aclamada cinta.

Blow-Up (1967)
Algunos films ganadores de la Palma de Oro requieren más paciencia. Michelangelo Antonioni hace que la idea literal de uno de sus personajes (un fotógrafo) tiña la película de dos fatídicos descubrimientos. Las dos mitades de la película tienen cambios de humor, con una oscilación continua entre la frivolidad y el peligro de una historia muy borderline. Es un film obsesivo y voyeurista, con algo siniestro en su narrativa y que destapó las discusiones, ya más modernas, sobre el  tema de la privacidad.

Taxi Driver (1976)
Amamos esta película y cuesta creer que, cuando se anunció su triunfo en Cannes 1976, la sala se vino abajo en abucheos (Cannes tiene eso de que se puede abuchear fuerte y ser eso lo que se recuerda, por años, como un triunfo). Pero hagamos contexto. La Película de Scorsese fue a Cannes luego de haber tenido salas llenas en USA y porque la crítica hizo eco de que el público no estaba listo para ver este tipo de violencia en la pantalla grande, porque la película fue un golpe al mentón. La provocación nunca ha preocupado a Scorsese, pero "Taxi Driver" se adueñó de un discurso referente a un clima cultural inquietante, y esto no se había afirmado con tanta claridad en la pantalla. Es un film que, a 40 años de su victoria en Cannes, aún es recordada por haber creado una de las atmósferas más mágicas que recuerde la premiación del festival.

Apocalypse Now (1979) 
"La guerra es el infierno" en Cannes.  El gran legado de "Apocalypse Now" tiene sus raíces en  los numerosos incidentes traumáticos y el drama pero, además, porque en esos años era muy apreciado premiar películas cuyo proceso de filmación había sido una tortura, por decir algo. Fue el caso de este film, cuyo rodaje fue una locura total. Su triunfo en Cannes no debe pasarse por alto, además, por otro significativo detalle: fue la primera vez que un director estadounidense ganaba dos veces la Palma (Coppola había ganado en 1974 con "La Conversación"), una hazaña que no ha sido igualada desde entonces.

All That Jazz (1980)
El Musical semi-autobiográfico de Bob Fosse, retrata a su alter ego Joe Gedeón (Roy Scheider) como un mujeriego que hace estallar su egolatría a través de una vida llena de adicciones. La película cuenta con Jessica Lange como el ángel de la muerte y un número musical que muestra, de trasfondo, la cirugía a corazón abierto del protagonista. Pero lo que realmente hace que esta película sea una obra maestra al límite, es que empuja la edición del musical a un diseño increíblemente inventivo de Fosse: cortar el tiempo y el espacio en formas experimentales, ayudando a crear una vanguardia muy similar a la de Fellini, pero que, al mismo tiempo, fortaleció la narrativa de la película. Muy artística y muy analizable a nivel técnico.

Paris, Texas (1984)
A pesar de que "París, Texas" no tiene ningún ángel, la forma en que Travis (Harry Dean Stanton) revolotea alrededor de la vida de los miembros de su familia, es una figura que se asemeja perfectamente a ese ángel omnipresente. A través de un drama familiar que cuestiona la naturaleza misma de la familia, Wim Wenders muestra la evolución que había tenido la histórica interacción con el padre y lo ejemplifica en la forma en la que Travis vuelve a conectar con su hijo, quien regresa después de años de distanciamiento. Con una escena de persecución de automóviles muy riesgosa para la época, más una serie de cuadros verdes que podrían haber lanzado toda una tesis sobre la teoría del color, "Paris, Texas" permite jugar con la honestidad emocional y con la tensión. 

Sexo, mentiras y video (1989)
La película catapultó al joven Steven Soderbergh pero, incluso más importante, ayudó a poner a Sundance y a Miramax en el mapa, mientras que fijó el vector para lo que sería el estallido del cine independiente en los ‘90. Para que una película de Sundance recibiera la Palma de Oro de un jurado presidido por Wim Wenders, significaba la aprobación a este nuevo movimiento de cine independiente norteamericano de parte de la comunidad internacional del cine. Todos la hemos visto porque fue crucial en un destape del cuerpo y de las adicciones y porque tocó otro nervio en Estados Unidos al desafiar directamente la cultura yuppie y la narración de la muerte; la película se convirtió en un éxito de taquilla (US$ 25 millones), lo que reveló que había un público ávido de abrazar algo nuevo.

Barton Fink (1991)
El guión fue escrito en tres semanas y permitió a los hermanos Coen jugar con dos personajes y presentar el icónico hotel Earle. La película mira al personaje desde dos ángulos: Un primer acercamiento lo ve como un dramaturgo tratando de hacer su camino en Hollywood y otro, más profundo, refiere al precio de la creatividad en un mundo que no siempre la recibe calurosamente. "Barton Fink" ganó los 3 premios más importantes de Cannes (película, director y actor) y contiene innumerables sellos de los Coen, lo que la convierte en un verdadero tesoro para los aficionados a sus tendencias.

Pulp Fiction (1994)
Si hay alguien que sabe cómo arquear una película con poco y volverla espectacular, ese es Quentin Tarantino. Ah, y también Harvey Weinstein. Póngalos juntos y se hace magia en el cine. Eso es lo que ocurrió en 1994, cuando The Weinstein Company auspició el debut de Tarantino con "Pulp Fiction" frente a una multitud, sala llena, a la medianoche .Ganar la Palma de Oro (también con varios abucheos) fue sólo la guinda del pastel para uno de los más desenfrenados debut en Cannes que se recuerde. Con un reparto impresionante, una línea de tiempo picada y un guión repleto de guiños culturales, agudos y enérgicos, es un film tipo pizarrón clásico de Tarantino, ese Tarantino en estado puro y en el momento más vital de su carrera.

Dancer in the Dark (2000)  
Momento polarizante de Cannes. Sorprendentemente sombría y fantasiosa. Este musical de Lars von Trier es, para muchos, una obra de arte y, para otros, un ejercicio sádico a la hora de manipular a la audiencia. Björk interpreta a Selma, una trabajadora de una fábrica cuyo único respiro a su existencia lúgubre es el mundo del teatro musical. Escapar a cantar cada vez que las cosas se ponen mal convierte a Selma en un tren de emociones repasada a orquesta completa… del ruido de la maquinaria de trabajo a su propia sección de melodías. Anclado por un rendimiento inmenso de Björk y suspendido en las melodías inquietantes que ella misma escribió para la película, "Dancer in the dark" es Von Trier en su punto más extremo. 

Elephant (2003)
Gus Van Sant se echó a Cannes en el bolsillo con su impresionante cinta "Elephant", una meditación sobre la masacre del instituto Columbine. Narra la historia de dos estudiantes de secundaria acosados y aunque muchos temían que el film pudiera dar lugar a imitadores o bien a a que pudieran ser glorificados los actos violentos de los asesinos en masa, fue la astucia de Van Sant la que derivó el enfoque hacia lo opuesto de todo eso, para así mantener un discurso tonal adecuado. La película logra un delicado equilibrio entre el miedo y la vulnerabilidad, es decir, reconocemos la inocencia perdida del personaje, pero nunca solidarizamos con su pasado acosado. "Elephant" en una declaración matizada contra la violencia.

4 meses, 3 semanas y 2 días (2007)
Desgarradora. Qué tremendo film de Cristian Mungiu. "4 meses, 3 semanas y 2 días" está ambientada en el brutal régimen comunista rumano de 1980, durante la cual la anticoncepción y el aborto eran ilegales y castigados con la muerte. Cuando la estudiante universitaria Gabita se entera de que está embarazada, le pide ayuda a su compañera de pieza para buscar un aborto en el mercado negro. La película sigue a las jóvenes cuando entran en un laberinto sin piedad, lleno de horror, el que está relatado al detalle. Drama social y realista de Mungiu y, para muchos, una obra maestra difícil de soportar. Sus actuaciones son tan perturbadoras que merecen cada pulgada de la Palma de Oro que ganó en Cannes, en 2007.

El árbol de la Vida (2011)
Los pensamientos sobre esta meditación sorprendente de la vida, por parte de Terrence Malick, pueden ser un proyecto muy ambicioso. La mayoría de la película se refiere a un niño en 1950, en Texas, y sus experiencias con su padre ( Brad Pitt) y su elegante madre (una etérea Jessica Chastain). Pero la película es más sobre sentimientos y las sensaciones acerca de la forma en que el mundo nos balancea entre lo natural y la educación que recibimos. Los personajes son seres espirituales; dan vida no por el diálogo, sino por la postura y las expresiones. La película descansa en una BSO sensacional de Alexandre Desplat y una fotografía abrumadora y perfecta de Emmanuel Lubezki. Malick había estado presionando su estilo hacia formas más experimentales, pero "El Árbol de la Vida" siempre será lo más emotivo y fascinante de su filmografía.

La Vie de Adele (2013)

Otro esquema roto en Cannes. Nunca la homosexualidad femenina había sido tratada con tanta naturalidad. Una película que logró transmitir la fragilidad del amor. En su momento la comentamos aqui


Ad portas de finalizar esta edición 2017 del festival ¿se sumará otra inolvidable?

Capitán América, Civil War: más madura y significativa

El Gobierno de Estados Unidos se hartó de los Vengadores y quiere cortar sus alas; es el precio de los conflictos contra Ultrón, los Chitauri y demases. La propuesta de que los Vengadores estén bajo supervisión no convence al Capitán América, quien no firma los Acuerdos de Sokovia. Esto desencadenará la fractura entre los que le apoyan y los que están del lado de Tony Stark.

Más que guerra y grandes batallas hay en Capitán América: Civil War, la nueva película dentro de la extensa saga de Marvel y que nos mostraba dos bandos: el de Capitán América junto a Falcon (Anthony Mackie), Ojo de Halcón (Jeremy Renner), Ant-Man (Paul Rudd), Winter Soldier (Sebastian Stan), Sharon Carter (Emily VanCamp) y la Bruja Escarlata (Elisabeth Olsen). Y el de Iron Man, formado por Viuda Negra (Scarlett Johansson), Visión (Paul Bettany), War Machine (Don Cheadle), Spider-Man (Tom Holland) y Pantera Negra (Chadwick Boseman).

La película, que vuelven a dirigir los hermanos Russo, responsables de la excelente “El Soldado del Invierno”, se presentó como una historia más compleja del héroe americano, pero tan fluida como su antecesora. Luego de ver la cinta me queda claro el por qué aún no se confirma Iron Man 4, porque este film fueron  2 películas en una.

Civil War concilió, en sus entretenidísimos y excesivos 147 minutos, todos los intereses de esta gigantesca franquicia Marvel que ya ejerce como sello de nuestra contemporaneidad. Es un film vitalista, excitante, del género clásico y que presenta aristas propias del  western o del cine de espionaje. Lo hace sin confundirse, sin cansar narrativamente, como una máquina muy engrasada, mostrándole al mundo que, tal vez, con esta película Marvel afianza su momento de gloria creativa y buen trabajo dramático.

Capitán América: Civil War se nota más grande, más madura, y esto no va en detrimento de la diversión. Está muy presente el debate ético y las ideologías, las que no anulan el desarrollo de la trama. Hay un fluido manejo del drama y de narración cinematográfica, que se grafica en la conciliación del idealismo de Steve Rogers vs la atormentada practicidad de Tony Stark, dos tipos que tienen razón pero que, como en todo periodo de crisis, llegan a un punto de fractura en el que la guerra es inevitable. Sin embargo, Capitán América: Civil War, a diferencia de Batman vs Superman, no se ahoga reflexionando, sino que simplemente va deshaciendo nudos y atando otros nuevos, dejando un nuevo universo completamente abierto por delante para la amplia gama de caracteres que tuvieron minutos de acción.

LO MEJOR

Las batallas

La película no pierde ni por un segundo su potencial de maquinaria de acción. Desde la primera escena los hermanos Russo nos dan en el gusto de ver a los Vengadores trabajando en equipo, cada uno haciendo gala de sus habilidades y conjugando sus puñetazos, patadas, vuelos y explosiones. 

Spider-Man y Pantera Negra

Si recordamos el final de “Vengadores: La era de Ultrón”, Thor  y Hulk no iban a estar en "Capitán América: Civil War". Dos ausencias importantes que podrían haber supuesto una baja en la calidad de la producción. Sin embargo, en ningún momento se les extraño y gran parte de la culpa la tienen dos nuevas incorporaciones: Spider-Man y Pantera Negra. 

La participación del Hombre Araña (Tom Holland) no tiene peso en la trama. Sin embargo, Marvel quiso presentarnos ya a Spider-Man (que tendrá su película en 2017) para ir conociéndolo. Últimamente Spidey no ha tenido suerte en el cine, pero bastó verlo en su casa, con ese aire de adolescente alocado para saber que Tom Holland nos iba a presentar un gran personaje. Cuando lo vimos en acción el personaje mejora en un 100%, logrando otra dimensión. Es carismático y lo combina muy bien con ese aire torpe. Todo un acierto. En el caso de Pantera Negra, el personaje tiene más peso. Se une a la trama de forma coherente y juega un papel bastante importante para un recién llegado (papel que veremos ampliado en su película en 2018).  

Chris Evans y Robert Downey Jr. 

La película se sostiene sobre la vulnerabilidad de estos superhéroes. Y el guion logra sacar a la superficie a los que están bajo la máscara. Vemos a un Tony Stark más serio, diferente, y a un Steve Rogers que logra ser el alma de la cinta. Se nota un crecimiento en ambos actores a la hora de comprender a sus personajes, con y sin traje, y según el contexto del film que les toca protagonizar.

El humor

A pesar de ser, seguramente, la película más seria de Marvel, el humor no podía quedar fuera. En las dos horas y media de metraje pude reír, hicieron muchas bromas o simples comentarios inocentes, como los de Peter Parker (y de seguro los fans de 'Star Wars' ya lo aman). Pero si hay un personaje que hace reír por encima del resto es Ant-Man/Scott Lang (Paul Ruud). Como ya lo vimos en su filme en solitario, el Hombre Hormiga es la diversión personificada. Su forma distendida de actuar y afrontar las situaciones es asombrosa.

PUNTOS BAJOS

El villano

En una película en la que el conflicto nace del interior, sin necesidad de agitar aguas desde fuera, la presencia de un villano podría estar demás. Pero si decides meterlo en el guion, dale algo de fuerza. Zemo (Daniel Brühl) fue un personaje sin carisma, al que le faltó contundencia y daba la impresión que su motivo para crear el caos era inconexo con el debate moral de Capitán América/Iron Man.

La batalla final

El enfrentamiento entre Tony y Steve no fue lo rudo que se merecía, y esto no permitió dar un correcto cierre a la historia. Después de tanta pugna, todo quedó (al parecer) en una separación temporal. Le faltó dramatismo a ese final, que se notara que esa escisión en los Vengadores era profunda, no era una batalla más….Tony descubrió cómo fue el asesinato de sus padres y las implicancias del Capitán América en estoa….era para mucho más. Seguramente los Russo recibieron alguna orden de más arriba, pero hubiera sido increíble la muerte de uno de los personajes…¿mucho pedir? Tal vez, pero es necesario no temerle a esta posibilidad.

Personajes secundarios mal aprovechados

En una avalancha de nuevos rostros, hubo algunos que se desperdiciaron. No había tanta historia para todos. En ese contexto, me habría gustado más protagonismo para Emily VanCamp (Sharon Carter), Martin Freeman y  Crossbones.

En resumen, Capitán América:Civil War fue un fascinante guión que dispuso de una extensa galería de personajes utilizados para crear una historia dramática convincente, que derrochó madurez y que a simple vista es más significativa que el resto que nos ha mostrado Marvel. Es equilibrada, carece de tiempos muertos y sostiene un tono duro pero a la vez jovial. Hubo una buena combinación para los dos grandes arcos narrativos (Capitán América/Soldado del Invierno y la Guerra Civil) soportados por otros conflictos pertenecientes a esta docena de personajes, todos ellos, a estas alturas, perfectamente definidos. Civil War es un punto de inflexión en la historia de Marvel, el  que construye, de esta forma, su película más compleja y dramática, con un final que sólo parece darle más oxígeno al universo Marvel.