Mejores episodios de series en 2020

24.Sex Education: episodio 07

Guion: Laurie Nunn

Dirección: Ben Taylor

Las protagonistas se embarcan en la tarea de encontrar puntos en común entre ellas, y a raíz de un incidente que afecta a Aimee, todas sus compañeras solidarizan y recuerdan algún trauma relacionado a temas de género. Es la actualidad, es la ejemplificación de la hermandad que produce, incluso entre mujeres  diferentes, algún tema relacionado al abuso. 

23.Ramy: Episodio “They”
Guion: Maytha Alhassen, Ryan Welch y Ramy Youssef

Dirección: Cherien Dabis

Odio a las diferencias y el temor a ser extranjero en el Estados Unidos de hoy. “Estoy aquí para quedarme, perra”, debe ser una de las frases seriéfilas del año. 

22.The Umbrella Academy: episodio "743"

Guion: Bronwyn Garrity & Robert Askins

Dirección: Amanda Marsalis

Se cerraron las tramas secundarias dejándonos preparados para el gran final. Vimos  varias revelaciones y sacrificios importantes, el apocalipsis se evita, Hargreeves revela su verdadera naturaleza y los policías van de viaje en el tiempo. Ver a los hermanos juntos es un punto muy a favor, junto a la extraordinaria narrativa que logra. 

 

21.BoJack Horseman: Episodio “Nice While It Lasted”
Guion: Raphael Bob-Waksberg

Dirección: Aaron Long

La serie empezó como una comedia, pero acabó siendo algo más. La despedida solo da lugar a los verdaderos protagonistas para un cierre agridulce, con alta  emocionalidad, como lo fue el último lote de capítulos, algo distantes del planteamiento inicial y abocados a experimentar con el espectador. La escena final se refiere a lo que podría haber sido esa historia en otro mundo, porque la vida es complicada y siempre puedes arruinarlo, pero siempre puedes mejorarlo. Pocos programas lo entendieron tan bien.

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20.Killing Eve: Episodio "¿Are You From Pinner?"

Guion: Suzanne Heathcote
Dirección: Shannon Murphy

Observamos con  profundidad la complejidad del personaje de Comer y conseguimos despegar las capas de Villanelle, para entender cómo se transformó en la mujer que es hoy. En este capítulo  confronta sus sentimientos, claramente conmocionada, al borde de las lágrimas, buscando encajar en esa familia. Toda esta experiencia puede cambiar su futuro.

 

19.The Good Place: episodio “Whenever You’re Ready”
Guion: Michael Schur

Dirección: Michael Schur

El cierre deja una sensación de satisfacción. Michael Schur despidió esta comedia por la puerta grande, concluyendo de manera impecable cada una de las historias y con la certeza de que todo va a estar bien. El final de la serie trató sobre lo que sucedió después de que realmente vivieras en el paraíso y hubieras hecho todo lo que querías, haciendo las paces y logrando relaciones prósperas. Ese fue el proceso de dejarse llevar y convertirse en una “ola que regresa al océano”.

 

18.The Boys: episodio   "What I Know"

Guion: Rebecca Sonnenshine

Dirección: Alex Graves

Si esto hubiera sido lo último del programa, habría sido suficiente para mantener a raya cualquier angustia. Los escritores de televisión deberían estudiar el guion de este capítulo porque así se hace un final de temporada:  resolviendo  la gran incógnita del primer episodio, cerrando varios arcos de personaje, y en otros, para abrir nuevas posibilidades para una serie que va a evolucionar. 

 

17.I May Destroy You: episodio “Social Media Is a Great Way to Connect”
Guion: Michaela Coel

Dirección: Michaela Coel y Sam Miller

Sin duda, una de las ficciones autorales más importantes del año. En este episodio vemos la relación enfermiza de Arabella con las redes sociales, tras convertirse en una suerte de referente para los sobrevivientes de la violencia machista. Pero toca fondo y toma conciencia de cómo la cultura del escrache, el doxing y las “cancelaciones” se han convertido en un arma de doble filo.

16.What We Do In The Shadows: episodio “On the Run”

Guion: Stefani Robinson
Dirección: Yana Gorskaya

Uno de los episodios de televisión más divertidos del año, es una sacudida de diversión  muy necesaria. La presencia de Mark Hamill le agregó carácter, convirtiendo todo en una gran broma. Y la actuación de Berry lo deja en un canon de comedia excéntrica, increíblemente inteligente, con  todos los elementos de una película de terror y, sin embargo, muy mundana.

 

15.Lovecraft Country: episodio “Sundown”

Guion: Misha Green

Dirección: Yann Demange

Fue el programa más ambicioso de 2020. Jugó con elementos del terror y ciencia ficción mientras mezclaba lecciones de historia que comparaban el racismo de los años ’50,  con los disturbios civiles de hoy en Estados Unidos. Este debut fue uno de los  más macizos de una serie durante el año, una declaración que establece personajes y resplandece a través de los puntos de la trama. Lovecraft creó sus historias para que otros autores las expandieran y usaran los conceptos de terror cósmico que lo caracterizaron, y este punto de partida nos adentró en un viaje alucinante.

 

14.Devs: episodio: 01

Guion: Alex Garland

Dirección: Alex Garland

Otro de los pilotos del año. Ciencia ficción,  filosofía, física cuántica, una historia de amor, las empresas y un supuesto crimen. A lo largo del episodio todo esto se junta en gran equilibrio,  y disparan el universo de la serie hacia lo impredecible.

 

13.The Crown: episodio “The Hereditary Principle”

Guion: Peter Morgan

Dirección: Jessica Hobbs  

La familia real esconde un secreto dramático y Helena Bonham Carter realiza un trabajo admirable abordándolo; acá profundiza en la depresión de su personaje y expresa emociones que traspasan la pantalla.

 

12.Mrs. América: episodio “Houston”
Guion: Dahvi Waller

Dirección: Janicza Bravo

La lucha por frenar la enmienda por la igualdad de derechos de la mujer tuvo su clímax en este episodio, donde ambos grupos de mujeres se enfrentan. Una gran construcción narrativa que comienza con un viaje en auto y atraviesa hoteles repletos, entrevistas incómodas, drogas con desconocidos, y un viaje interior que termina cambiando por completo al personaje de Sarah Paulson.

11.The Good Fight: episodio “The Gang Deals with Alternate Reality”

Guion: Robert King and Michelle King
Dirección: Brooke Kennedy

Magistral. Este capítulo fue una  recreación bizarra del piloto de la serie, donde todo ocurre en un mundo donde Hillary Clinton ganaba las elecciones en 2016. En una hora alucinante, el programa explora lo que podría haber sido y las consecuencias no deseadas de la victoria de la ex candidata del Partido Demócrata. “The Good Fight” continúa siendo una terapia de grupo.

 

10.Devs: episodio 8

Guion: Alex Garland

Dirección: Alex Garland

Este final articula hábilmente el determinismo del programa, y deja abierta la pregunta de cuánto de nuestro destino reside en nuestras propias manos. También tiene un aura bíblica, con imágenes sorprendentes, alusiones a Cristo e incluso algo que se asemeja a la vida después de la muerte.

 

9.I May Destroy You: episodio "Ego Death"

Guion: Micaela Coel

Dirección: Micaela Coel y Sam Miller

El clímax llega cuando Bella se da cuenta de que su trauma no la dejaría, a menos que ella lo hiciera irse. El final termina con un jardín en crecimiento, la lectura de un libro y una inhalación de aire. Un compromiso con la honestidad.

 

8.The Mandalorian: episodio "El Mariscal"

Guion: Jon Favreau
Dirección: Jon Favreau

Minutos  que mostraron a la serie en su máxima expresión: vinculación con la tradición “Star Wars” (la armadura de Boba Fett), usando una combinación de efectos y CGI (el dragón de arena), inclusión (los Tusken usan un lenguaje de señas que no se tradujo en los subtítulos), referencias a la cultura pop (Olyphant ha interpretado a un mariscal en otras series) y, por supuesto, el fuerte vínculo entre Mando y Grogu.

7.Euphoria: episodio: “Trouble Don’t Last Always”

Guion: Sam Levinson

Dirección: Sam Levinson

Íntimo y honesto ejercicio en el que abandona su histrionismo característico, para  trasladarnos a uno de los capítulos más terrenales. Un episodio difícil y poco  esperanzador, una mirada hacia el oscuro interior de estos personajes marcados por las adicciones.

 

6.Gambito de Dama: episodio "Endgame"

Guion: Scott Frank
Dirección: Scott Frank

El resultado nunca está en duda, pero el viaje es sumamente gratificante. Hay emociones por montones, desde Beth ganando la admiración de su ídolo, hasta todos sus amigos saltando al teléfono ante su última jugada. Ahora, en el top del mundo, debe encontrar nuevos rivales, partiendo con los rusos que disfrutan de un juego en plena calle. Si ya lo ganó todo ¿se acaba el desafío?, lo único que sabe Beth es que quiere seguir jugando.

 

5.Better Call Saul: episodio “Wexler vs. Goodman”
Guion: Thomas Schnauz

Dirección: Michael Morris

En este ejercicio brillante de escritura de guion, quedó plasmado que el camino iniciado por Jimmy no tiene retorno; además, nos lleva por distintos estados de ánimo, pues pasamos de las risas por los videos con falsas acusaciones a Mesa Verde, hasta las lágrimas con el verdadero Wexler vs Goodman. La discusión en casa y, finalmente, una propuesta de matrimonio nos dejaron atónitos, buscando respuestas en los créditos. Aplausos para Rhea Seehorn, quien una vez más estuvo soberbia. 

 4.Dark: episodio "Vida y Muerte"

Guion: Jantje Friese

Dirección: Baran bo Odar

La tercera temporada fue un deleite de episodios alucinantes , pues había que cerrar todas las historias y ciclos. Pero uno que destacó fue "Vida y Muerte", porque sacó a los personajes centrales de la narrativa y nos sorprendió con dos actos de brutalidad: La violencia entre Katharina y su madre, y la joven Elizabeth, que evolucionó hasta convertirse en una dura guerrera del futuro.  

3.The Mandalorian: episodio "El Jedi"

Un verdadero regalo para todos los que se preguntaban si la historia de Din y Baby Yoda continuaría sin vincular su aventura con algo de la mitología “Star Wars” . Esta entrega arrojó una información tras otra y cambió el juego para los espectadores. Influencias occidentales y samuráis sostienen visualmente el episodio, el cual fue un paso adelante hacia una versión muy diferente de Grogu y que, incluso, es posible que no nos guste en quién se convertirá. 

2.Better Call Saul: episodio "Bagman"

Guion: Gordon Smith
Dirección: Vince Gilligan

En una temporada llena de momentos memorables, este episodio se lleva el podio. Vince Gilligan sacó del sombrero tiroteos de alto octanaje, tensos enfrentamientos cara a cara y su inclinación por la comedia negra. Un giro desértico, del tipo “Pine Barrens” de “Los Soprano” , donde “Bagman” se torna de gran trascendencia, por lograr  introspección y explosión. Aquí es cuando las historias separadas de este show comenzaron a colapsar y se siente que el final está cerca.

 1.Perry Mason: episodio 8

Guion: Rolin Jones, Ron Fitzgerald & Kevin Hynes

Dirección: Tim Van Patten

HBO estableció una trama en la que el experimentado investigador también llegaría a ser  abogado. A muchos preocupó que este Perry Mason repitiera los  “momentos” melodramáticos que hicieron famoso a la saga de los  ' 50. Eso estaba bien en ese entonces, cuando la televisión se basaba en dramas desechables, pero las audiencias de hoy exigen más. Y este episodio lo refrenda con momentos bien construidos, profundos y de redención, como cuando Perry obligaría magistralmente al detective asesino a admitir los hechos, o cuando Hamilton Burger se pone de pie obligándolo a salir de su plan engañoso. La  dirección fantástica de Tim Van Patten y la producción de primer nivel,  cierran la historia como una gran orquesta en su noche de clausura. Ahora sabemos que Perry se adentrará en un nuevo terreno, y con el enfoque maduro de la narración, nos ayudará a distinguir la nueva serie de las pasadas. Eso y contar con Matthew Rhys , hace que valga la pena ver cada episodio. Y qué decir de la gran Juliet Rylance, la que se está preparando para robarse todas las escenas la próxima temporada. ¿Della Street en la Facultad de derecho? Vamos con eso!.

Mejores series de 2020

 La naturaleza de este blog es hacer listas de fin de año, lo que es muy difícil considerando lo explosivo de la oferta y que ya no todo está en Netflix. Con un año atípico, donde la tragedia del cine logró un auge de la televisión y el streaming, le sacamos brillo a la libreta que, durante todo el año, anotó nuestras (in) certezas sobre la gran cantidad de propuestas que consumieron nuestro tiempo. Con esa información haremos un balance del querido, esclavizante, pero imprescindible mundo de las series en 2020.

 

21.“The Plot Against America”

A la cabeza están David Simon y Ed Burns y la componen seis buenísimos episodios protagonizados por Morgan Spector, Zoe Kazan, Winona Ryder y John Turturro.  Una notable producción contando una ucronía familiar increíblemente sólida, a la vez que consciente de lo difícil que es, en un momento de cambios, tener una perspectiva panorámica de los hechos.

20.“Tales From The Loop”

La nostalgia, lo vintage, está a la orden del día, y por eso la serie funciona, porque conecta con aspectos de nuestra infancia. La preocupación por el paso del tiempo puede ser aterradora, por lo cual, el aura de esta serie es muy “Black Mirror” pero despojada de ese pesimismo sobre la tecnología, y también tiene algo de “The Leftovers”, por la cantidad de temas que hace reflexionar. Muy interesante.

19.“We Are Who We Are”

Luca Guadagnino filma increíble. Y aquí nos lleva de regreso a Italia con este drama adolescente sobre el amor, la búsqueda de la identidad propia y el camino a la adultez, mostrando lo que rodea a las etiquetas en torno a la orientación sexual. Su gran riqueza de contenido se afirma en un gran elenco y la puesta en escena de Guadagnino, tan  chispeante como pausada.

18. “Sex Education”

Tras una primera temporada notable, se apreció una evolución dentro de la propia narrativa, donde cada personaje creció en su escritura, interpretación y profundidad. Es una de las mejores series de adolescentes en la actualidad y presenta una forma única de tocar temas tan importantes, como la sexualidad y la salud mental. 

17.“Giri/Haji”

Familias que son un lío, expiaciones, redenciones del pasado, del dolor, de la soledad. Es un thriller policial archi visto, pero que está bien hilvanado en una fusión londo-japonesa y que deja un agradable sabor, después de conocer la ruta que recorren sus 5 protagonistas. 

16.“Devs”

Alex Garland en su forma más accesible, pese a que esta propuesta tiene rasgos definitorios de su obra: su obsesión con el transhumanismo y la tecnología aplicada a conocernos a nosotros mismos. Esta serie es una atrapante mezcla de filosofía y ciencia ficción, mientras reflexiona sobre cómo se cuentan las cosas en televisión.

15.“The Crown”

Top 5 absoluta en cada ranking, pero este 2020 baja de la cima porque, a pesar de desarrollarse en una época más actual, se tornó más lineal y poco sorpresiva. Si el año pasado fue la temporada del Príncipe Carlos, esta temporada fue la de las mujeres: Princesa Diana y Margaret Thatcher y cómo las dos tenían una lucha de poder con la monarca. Tiene un tono más reflexivo que las anteriores, sin embargo, sigue siendo de lo mejor que hay para degustar.

14.“Lovecraft Country”

De las mejores series de terror y ciencia ficción del año, a pesar de no ser una serie sobre Lovecraft, sino una inspirada en un libro y que juega con el nombre y creaciones del escritor. Sus libros existen en la ficción que propone este viaje lleno de racismo, monstruos y universos paralelos, y todo con un increíble vestuario de los años ’50.

13.“Westworld”

Una de las series estrella de HBO y que trasladó la acción al mundo abierto, para contar cómo los androides, ahora conscientes de su verdadera naturaleza, tratan de tomar el control. Dejó de ser un western de ciencia ficción para convertirse en un thriller futurista, en la línea de “Blade Runner”. La principal pregunta que planteó es si la amenaza de una revolución de las máquinas es importante, en un mundo donde se han desdibujado las fronteras entre los humanos implantados y las máquinas con conciencia artificial. Es la falta de certezas sobre quién es quién.

12.“The Last Dance”

Gran visionado sobre Michael Jordan y la mejor generación de los Chicago Bulls. Es emocionante en cada capítulo, en cada entrada en las distintas épocas de Jordan y el resto de estrellas. Muy bien editado, en forma de thriller, genera tensión en el espectador que mira cada partido como si fuera el último. El material de archivo es una locura, son imágenes que perpetúan una era de oro, lo cual es refrendado con entrevistas a los héroes de aquellos días. 

11.“I May Destroy You”

Serie dura pero necesaria. Originada en su propia experiencia, Micaela Coel escribe, crea y protagoniza una obra sobre el leve recuerdo de lo que ocurrió una noche. A raíz de esta experiencia nos encontramos con una magnífica y concienzuda exploración sobre la sexualidad y el consentimiento. Es una serie de temática importante porque pone sobre la mesa el tema de la cultura de la violación y el abuso sexual.

10.“Mrs. America”

Una crónica de la lucha por la aprobación de la ERA en el Estados Unidos de los ’70. Con un inmenso reparto y una dirección de arte y fotografía que refuerzan el mensaje, vamos conociendo dos luchas de mujeres: una por conseguir una carrera política y otra, por clavar la bandera de los derechos de la mujer. Puede parecer que el tema es el feminismo, pero no se queda solo en la ERA, sino que aparece el juego político por detrás de la lucha. Pero hay que decir que Schlafy no sería conocida sin la ERA y que el grupo feminista merecía mayor tiempo en pantalla y mayor desarrollo, pues el guion se dedica demasiado a defender a su protagonista. 

9.“Gambito de Dama”

La serie más vista en la historia de Netflix, es protagonizada por una atrapante Anya Taylor-Joy, quien puso de moda al ajedrez. Ella carga con todo el peso del guion, en una historia de tremendo  buen gusto. Trata de manera adecuada el problema de la adicción, moviéndose en una recreación de época absolutamente exquisita. Por otro lado, está excelentemente narrada y esquiva los estereotipos de los niños prodigio, proporcionando un ritmo que no se toma ni un respiro.

8.The Mandalorian”

Aclamada por los fans del universo “Star Wars”, la segunda temporada de la serie protagonizada por Pedro Pascal, por fin nos contó detalles sobre Baby Yoda, su pasado y su posible conexión con los villanos de la saga. Mando y Grogu siguieron su odisea espacial, mientras recorren un universo cada vez más conectado con la franquicia madre. Podríamos decir que fue el mejor western del año y lleva la filosofía al límite, al convertir en éxito una serie protagonizada por un enmascarado y un muñeco sin líneas de diálogo. Sin embargo, estos personajes tienen sustancia y los directores de cada episodio, dieron en el clavo con los puntos de vista de lo que debe tener un verdadero producto “Star Wars”.

7.“El Colapso”

Innovadora. Una serie antológica de ocho episodios filmados en plano secuencia que aborda el cómo sería el colapso de nuestra civilización, y con esa premisa, los directores prevén un conjunto de situaciones que podrían suceder en diferentes lugares y distintas clases sociales.  El reparto ofrece interpretaciones correctas ante un rodaje agotador, pero  lo que más queda son las reflexiones incómodas, aunque necesarias, que parecen golpes al mentón debido a las circunstancias que se ven en pantalla. A nivel técnico es magistral. 

6. “I Know This Much Is True”

Son 6 horas difíciles, de hecho, nadie podría verla en modo maratón sin quedar desarmado. En ese aspecto, Derek Cianfrance no afinó completamente el guion, pero podemos echarle la culpa al confinamiento, a los miles de muertos en el mundo, al cambio rotundo de nuestras vidas el que, a muchos espectadores, no les va a permitir apreciar completamente el desarrollo de la historia. “I Know This Much Is True” está bien dirigida y esplendorosamente bien actuada. 

5 “My Brilliant Friend”

Podría parecer solo la historia de una amistad, pero es mucho más que eso. Los espectadores somos como un alma desvariada que acompaña a estos personajes, llenándonos con esos sentimientos que emanan de sus excelentes caracterizaciones. Las guionistas Elena Ferranta, Laura Paolucci, y Francesco Piccolo junto al creador Saverio Costanzo, hacen un bellísimo trabajo mostrando diálogos coherentes, profundos y simples, como si fueran las voces sabias de nuestros abuelos. La serie es un producto de calidad, que le hace total justicia a la icónica novela en la que está basada, gracias a su increíble fotografía, música y actuaciones intensas y llenas de humanidad de sus dos protagonistas y en las distintas etapas de sus vidas. 

4.“Better Call Saul”

Brillante. Ese es el concepto con el que nos hemos quedado tras el visionado de la temporada 5. Cada vez más cerca del tiempo de “Breaking Bad”, esta sesión se dio el lujo de deslumbrar en su lenguaje visual, giros dramáticos y crecimiento de sus personajes, todo en una armonía tan bella que ya acumula puntos por sobre su serie madre. Tiene al menos, 3 episodios sublimes, por sobre la media, y a una pareja que pareciera estar a punto de enfrentar complejísimas decisiones.

3.“Unorthodox”

Intensa, emocional, y que logra jugar con los ingredientes de la historia real en la que se basa. Es una historia singular que nos habla del derecho de tener voz propia. El drama es cruzado por la religión, la fe, y por la actuación extraordinaria de Shira Haas, al captar con precisión la dualidad de su personaje (fragilidad y fortaleza). Anna Winger (“Deutschland '83”) tomó las memorias de Deborah Feldman y las llenó de espíritu, superación personal y maduración.

2.“Dark”

Con un guion complejo, Netflix corrió el riesgo con la serie alemana que descolló por presentar un puzzle perfectamente hilvanado y contado en pocos episodios. Algunos piensan que escoger ser tan enredado es, a la vez, ser poco original, pero hay que reconocer que toda la historia estuvo bien llevada gracias a un equipo de guionistas que se la jugó por mezclar elementos de la física con la filosofía, junto a un casting escogido al dedillo; todo esto, logró una coherencia tan notable para un final que aclara que el sacrificio por los otros siempre será la solución al acertijo de la vida. Distintos tiempos, distintos mundos. Luz y oscuridad. Shakespeare y Einstein y, en el centro de todo, una trágica historia de amor de dimensiones épicas.

1.“Perry Mason”

HBO toma al mítico abogado de los años ‘50 y lo muestra más joven, desaliñado y atormentado. Esta caracterización despoja a Perry Mason de cualquier excelencia y hace el parangón con los antihéroes de hoy, como podría ser un Tony Soprano, Don Draper o Walter White. Encarnado por un magnífico Matthew Rhys, la serie se desarrolla en una escenografía en total tributo al cine negro, manejando sus elementos sustantivos con elegancia, sobre todo las secuencias nocturnas, los colores tenues y ese retrato de los bajos fondos de Los Ángeles. Juliet Rylance está apoteósica como Della Street, personaje que salta del rol secundario que siempre tuvo en la serie original, para transformarse en la mente maestra en la sombra. Lo que define a este nuevo Perry Mason es la turbulencia que arrastra en su interior, algo común en las ficciones de HBO a partir de “True Detective”, cuyo creador fue el primero al que se le encargó este proyecto y, en varios momentos del relato se perciben sus huellas. Seis décadas después, los hombros erguidos de Raymond Burr se comprimen en el perfil de Matthew Rhys para desarrollar una serie oscura, sórdida y bella en lo estético, con mucho aire melancólico gracias a la partitura de Terence Blanchard. Con estos elementos, se aleja del Mason de CBS, en alianza con Timothy Van Patten, un favorito de HBO y colaborador en “Boardwalk Empire”, “Los Soprano” y  “Game of Thrones”. Su firma es una pista más de que estamos ante una de las grandes apuestas del canal, y así lo ratificó la audiencia de 8 millones de espectadores que tuvo su capítulo estreno.

The Mandalorian, temp 2: hacia una nueva era

Luego de una primera temporada que levantó nuestros espíritus, la temporada 2 de “The Mandalorian” continuó la línea y pisó igual de fuerte, dispuesta a situarse como uno de los mejores productos derivados del universo “Star Wars”. La tarea de Mando por encontrar al clan guerrero más reservado de la galaxia ha sido difícil, tanto así, que lo llevó a terrenos desérticos y a otros llenos de niebla, mientras hacía  incómodas alianzas y encontraba personajes de total referencia al universo.

No se necesita ser un completo conocedor del universo cinematográfico de Star Wars para disfrutar The Mandalorian, la propuesta más concisa que ha presentado la plataforma Disney+, y que gana adeptos por doquier. Sin miedos ni complejos, se plantea como una serie espacial que se desarrolla en un tiempo lejano al creado por George Lucas, pero que su concepción la presenta como una historia independiente que conecta con algunos acontecimientos expuestos en la historia principal. “The Mandalorian” ha sabido posicionarse gracias elementos bien conjugados, como contar, de manera contundente y rápida, las aventuras de este caza recompensas con una misión  compleja y, por otro lado, el que sus co-creadores Jon Favreau y Dave Filoni hayan dado un giro al western, lo que produjo una sensación de serie áspera, pero fresca y reconociblemente Star Wars.

Pedro Pascal ha sido el estoico hombre de honor que carga  el casco,  mientras su camino fue recorrido haciendo guiños a la Fuerza y estableciendo esta historia tipo padre-hijo, con un ser inventado y que se llevó todos los flashes: Baby Yoda. Así, esta segunda temporada era esperada para conocer cómo nos iban a seguir contando este viaje, para lo cual la producción de Luscasfilm estableció aciertos interesantes en la rotación de directores: la mirada de Dave Filoni, Jon Favreau, Peyton Reed, Rick Famuyiwa (perfecto para cualquier cosa “Star Wars”), Robert Rodríguez (dirigiendo el episodio final) y hasta  el actor Carl Weathers (sí, Apollo Creed) que interpreta al ex magistrado Greef Karga. Cada uno jugó con los mismos elementos, basándose en ir entrando en terrenos añorados por los fans del universo y adjuntado a cada escena, un trabajo escenográfico y argumental de calidad.

Los guiños al universo expandido  fueron de alta valoración en esta temporada, resaltando, además,  los regresos de algunos queridos personajes. En ese sentido, Ahsoka Tano ya no es la  adolescente de “The Clon War”, sino una jedi entrenada que nos deleitó con  revelaciones muy interesantes sobre la trama principal. También supimos que baby Yoda tenía nombre y que fue  rescatado del templo jedi tras el golpe de Palpatine. Esto, por supuesto, nos lleva a preguntarnos muchas cosas y las especulaciones están a la orden del día. ¿Cómo nadie se fijó en un niño tan parecido al maestro Yoda?, ¿Cómo consiguió escapar de Darth Vader?. Otra aparición que nos tenía preparada la serie, fue la del gran Almirante Thrawn, un nombre que recordarán los fanáticos más antiguos de “Star Wars”. O el de Boba Fett, con ese  genial  diseño de  armadura y cómo lo  aprovechó la producción haciéndole luchar al lado de los buenos. Otros personajes se agregaron con total acierto, como el mariscal, el cual interpreta Timothy Olyphant de forma ganadora;  Moff Gideon no se quedó atrás y desplegó tantos Stormtroopers como Dark Troopers fueran necesarios para capturar a Grogu, sin contar la dolorosa  destrucción del Razor Crest.

Muchas escenas en exterior, mucho espacio y tensión propia del western más cuidado. La foto, el trabajo de las criaturas y la dirección de los episodios rayó a muy buen nivel. Disney y Lucasfilm están invirtiendo muchos recursos en este show y así es como nos han presentado  una producción  elaborada, con aventuras  convincentes e incorporando elementos casi medievales: caballeros con armadura, un temible dragón,  la parábola bíblica, Mando en el vientre de la ballena, y el  elemento occidental de "vaqueros" e "indios" que se unen contra una amenaza común. Ese giro es muy de “Star Wars”, pues ahí se enfatiza la unión de especies al servicio de un bien mayor. 

“The Mandalorian” está demostrando ser capaz de expandir el universo con más respeto y mejores aciertos que las secuelas que hemos visto en el cine o la TV. Hasta es capaz de incluir a las denostadas precuelas en su argumento y aún así, despertar interés cada semana, generar debates y análisis sobre el tratamiento de esta historia que ya logró que Disney anunciara dos spin-off gracias al hombre del casco que (no sabemos!) ha desarrollado sentimientos ante un Grogu cautivo y que, ahora, será el centro de la acción de la tercera temporada. Lo que sí sabemos es que se vienen más episodios con batallas muy bien coreografiadas, con poderosa música de Ludwig Goransson y fantásticos dibujos post créditos, elementos  que podrían transformar a “The Mandalorian” en un nuevo clásico  de esta “new era Star Wars”, con tintes de western y que vale la pena seguir explorando.

Mank: la reivindicación del artesano

Sacando a relucir un guion que llevaba veinte años guardado, David Fincher regresa con una propuesta clásica.“Mank” hace mención al proceso de elaboración del guion de una de las películas más valoradas de la historia (“Ciudadano Kane”), pero en vez de centrarse en la conflictiva relación con Orson Welles, Fincher expande el alcance hacia un telón de fondo muy interesante pero que, a ratos, deja la sensación de querer abarcar demasiado.

David Fincher es uno de los genios cinematográficos de las últimas 3 décadas. Por eso mismo, Netflix lo reclutó, otra vez, aprovechando la excelente experiencia de “Mindhunter”. Por ahora, el norteamericano pone su prestigio al servicio de “Mank”, película que recoge la historia de Herman Mankiewicz, creador del guion original de “Ciudadano Kane” y cuyo proceso se muestra acompañado de adicciones y los conflictos políticos de la época que tocaban el desarrollo de la industria del cine, los que son el corolario perfecto para que explotara su irreverente personalidad.

“Mank” va a ser amada y odiada, porque hay muchos personajes de la historia del Hollywood clásico que podrían alejar al público masivo, y porque se centra en el entramado político de esos años (en la figura de William Hearst), el cual sirve para desatar al Mankiewicz que quiere que sus historias hagan reflexionar al público. Aquí, el guion del padre de Fincher nos sorprende, porque estábamos esperando la historia de las tensiones entre Welles y Mankiewicz, sin embargo, se expande a una fotografía del momento social en plena gran depresión, con una industria que descubría el cine sonoro y que estaba en cambios de paradigma. La película se estructura con maravillosos flashbacks que tratan de hacer un paralelismo a “Kane”, los cuales son dotados de energía en secuencias que muestran quién era quién en este mundo; excelente es la escena en la que Louis B. Mayer le pide a sus trabajadores que hagan un sacrificio, reduciendo sus salarios.

Con un ritmo veloz para capturar esos “locos años”, donde la música de Trent Reznor y Atticus Ross es clave, y a la vez, con una segunda línea de tiempo actual, más gris y pausada, es en esta última donde se aprecia la arista de la relación con Orson Welles y donde, si se quiere, Fincher deja espacios para desmitificar a este último como figura virtuosa.  

Actuaciones a gran altura y visualidad cautivadora

La postura es la de un autor que justo consigue la inspiración cuando pareciera que está al final de su vida creativa, inmerso en la depresión. Sin embargo, Oldman equilibra perfectamente esta dualidad entre una persona ética, que busca que el espectador se emocione y reflexione, pero que a al mismo tiempo, sucumbe ante la podredumbre industrial, dejándose llevar por esas debilidades que lo llevan a su faceta más cínica. El relato lo pone en prácticamente todas las escenas, con mujeres que son soporte para la historia y que encajan en cada tiempo: su esposa (Tuppence Middleton), su cuidadora (Lily Collins), y los mejores diálogos con Amanda Seyfried, cuya química es espectacular; la personificación de Marion Davies cautiva, muestra el lado más inocente de una actriz que quedó atrapada en una industria de hombres y que sirve de inspiración para el personaje de Susan Alexander. Por otro lado, el protagonismo visual de “Mank” tiene todo un sello. Desde los créditos ya introduce una declaración de intenciones, adornada con más elegancia entre los paralelismos con el cine de antaño; la composición, la edición que imita las transiciones de las películas de ayer, fundiéndose a negro en cada toma, se complementan con una vibrante fotografía de Erik Messerschmidt, con tiros de cámara brillantes, apostando con difuminados, con luces y sombras, tal cual lo hizo el director de foto de “Ciudadano Kane”. No restemos ese mérito, si bien a muchos les podría parecer exagerado e innecesario, es un detalle que eleva a “Mank” como uno de los mejores estrenos del año.

Podría ser que la relevancia que otorga el guion al arco político, en lugar de centrarse en los demonios que acosaban al guionista, no sean del gusto de la mayoría, pero más allá de esa apreciación, “Mank” está a muy buen nivel y ojalá pueda ser disfrutada en la gran pantalla, tal cual “Roma” y “El Irlandés”, donde sus directores usaron Netflix como estrategia, pero cuyo resultado final es un homenaje al cine de las primeras épocas. Y en el caso de este film, se erige como reconocimiento a quien imaginó “Ciudadano Kane”, película que siempre aparece en el top 3 de las mejores de la historia y cuyo creador había quedado a la sombra de Welles. No en vano, el film termina con ambos refiriéndose al otro, pero con Mank sujetando el Oscar.